En tiempos donde la sociedad rioplatense se entretiene con Gran Hermano o si te vas un poco atrás, teleteatros de pésima calidad actoral para viejas chotas, siempre es bueno acordarse de Los Simuladores. Muy seguramente el antes y después más grande en la historia de la televisión en este lado del mundo, nuestra vecina orilla ya había tenido sus arranques con Pepe Biondi o los sketches del Negro Olmedo, pero eran cosas bastante básicas y se notaban como pasos de tortuga a comparación de lo que estaba pasando más al norte en el continente, la idea de Damián Szifrón sin ser lo más alucinante del mundo lo cambio todo al punto en el que varios países le compraron su formato para recrear la misma serie.

Si tomás mate seguro esto ya te lo sabés, un cuarteto de hombres extremadamente preparados en logística, planeación, espionaje y falsificación conforman un servicio en el que las personas pueden obtener solución casi inmediata a sus problemas más mundanos; desde reunificar a una pareja, pasando por cumplir el sueño de su vida a algún desgraciado, ganar un juicio, cubrir información, destapar un escándalo en algún establecimiento corrupto, tratar con el complejo de una chica agonizando por los estándares que le indica un sitio de modelaje que de paso tiene asuntos turbios, hasta cosas demasiado sencillas como organizar un cumpleaños o evitar que bulleen a un nenito de primaria. En todo esto nunca te interesaba en qué iba a terminar, ya que el resultado casi siempre lo sabías, los hombres cumplirían con la operación, lo llamativo era el cómo estas operaciones se llevaban a cabo, siempre influenciado por las extravagantes personalidades de los miembros del equipo, por lo que podían concluir de formas inesperadas una vez llegaba el clímax de los capítulos.

Sobre el cast principal en sí, bueno, es un A-Team porteño casi, con manierismos, aficiones o mentalidades que les diferenciaban en su lugar de origen o en su rol dentro de las misiones. Todo dado para dinámicas jocosas e interacciones altamente enganchantes por el nivel de carisma que se hacía ver en la cotidianidad que manejaban los personajes, el cerebrito culto y perfeccionista, el sobrio frío y con carácter, el manchildren amoroso y el fuckboy re jodido de alta capacidad para simular personalidades. Todos aportan a las misiones a su manera, pero incluso con lo que les define nunca se quedan únicamente en esa onda sino que la serie solía experimentar con ellos para diversificarlos, un día veías a Santos tratando con una mina o en situación de secuestro, como otro veías Lamponne desesperado por un trauma de su infancia o a Ravenna incómodo con lo que mejor sabe hacer; su gracia caía en qué habían preparado estos tipos tan carismáticos para salir de situaciones más o menos complejas, e incluso a veces podías verlos discutir entre ellos o cuestionarse qué tan viables eran algunos de los planes propuestos. De hecho de tanto en tanto les veías sus visiones del mundo, ¿quién se va a olvidar de ese rant de Santos llamando ‘’nueva década infame’’ a los 90’s? ¿O de Ravenna dando a entender que se siente vacío por tenerlo casi todo al ser un fenómeno en lo que sea y magnetizar minas con el miembro sin despeinarse? ¿Y qué me dicen de Medina sacando a luz sus gustos tan infantiles debido a lo limitada que era su vida a esas edades? No era particularmente compleja en este aspecto, pero por lo menos se te daba algo para conectar aunque sea un poco.

Solían reaccionar diferente a cada nuevo cliente, y hablando de los clientes, si bien la mayoría eran olvidables a varios otros se les daba un encanto o relacionamiento especial para que sientas apoyo o desprecio por estos según lo que el capítulo en cuestión quiera transmitir, el hecho de hacer a algunos como gente aprovechada o sin educación te hacía ver un panorama social más amplio de lo que esperarías, notando cualquier tipo de clase social y sus diferencias, dramas familiares comunes de aquellas épocas como divorcios o pozos de irrelevancia, o de vez en cuando cosas más pesadas y desagradables como infidelidades o delitos. Había hasta situaciones trampa en donde quizás los clientes lograban zafarse de sus problemas tal cual empezaron pero terminaban generándose nuevos, véase el caso del director de orquesta o del ejecutivo infiel, al final las soluciones del equipo podían ser tan impredecibles y con vías tan absurdas que no solo te causaban gracia sino que hasta dejaban efectos fuertes en la vida de los clientes. También debo destacar como a muchos de estos personajes no los dejan en el olvido así nomás, sino que la serie se molestaba en tener un poquitito de sentido de la continuidad trayéndolos para aportar a otras operaciones incluso si no eran los más interesantes o memorables.

Si bien no había un hilo conductor que siguiera una línea de desarrollo para los personajes o una tensión grande desde el primer momento, sí es verdad que en bastantes capítulos se dejaban comentarios bastante acertados ya sea en forma de crítica social o de lecciones simples para la vida cotidiana. Para una serie donde los personajes muchas veces deben ser unos hijos de puta para llegar a su objetivo, de repente te encontrabas con un comentario o speech acerca de los gustos depravados de las personas de altas sociedades, aceptar el paso de la edad, el verdadero sentido de oponerse al sistema, asumir cuando un lazo amoroso se ha deshecho, el combatir los complejos y afrontar traumas, la corrupción en agencias de inteligencia, el valor de una familia unida y demás variedad; que no los engañe nada de eso por cierto, sí, son cosas que el espectador termina entendiendo pero nada de profundización o trato de temas en sí, el foco siempre era la ironía en muchas de las resoluciones, y cómo terminaba siendo lo que le daba el toque, ya sea satisfactorio o crudo, a los finales. En síntesis, todo recaía en la sensación final para luego pasar a otro capítulo con otro caso diferente.

Obvio, hay misiones muy bobas o intrascendentes para el peso que tenían muchas ya mostradas llegados a cierto punto haciendo que el impacto ya no sea el mismo, así como hay capítulos malos, en ciertas ocasiones se deja en claro la visión del autor acerca de temas como la religión, la igualdad, la propiedad privada o las tradiciones, pero así como no le doy gran mérito a la serie por pasar muy por arriba puntos valiosos, tampoco me la baja tanto que esto sea así por las mismas razones de que casi nunca es lo más importante algo que no concierna al estilo, que por cierto y de paso, está genial.

La presentación es hilarante por ese contraste entre sofisticación y estupidez terrenal, es como que la parte intelectual de los operativos se veía con vía libre a concluir de forma disparatada muchas veces porque el nivel de pajerismo que veías en su humor o en el actuar de muchos personajes que servían para satirizar aspectos de uno u otro sector social, podías tomártelo en serio por ver un pedazo del pasado traumático lleno de bullying de Lamponne como podías cagarte de la risa por ver a este disfrazado de Robin como parte de la operación. Y tampoco era 100% random cuando de hecho llegabas a ver a los planes retroceder o cambiar al haber eventos no-calculados (cosas posibles), como que justo ese día asaltaban el banco en el que estaban o qué sé yo. Como comentario aparte y relacionado con el ejemplo, ver cómo algún personaje de los principales lograba conectar con el problema del cliente de turno y generándose una faceta del personaje en cuestión que no habías visto hasta ese entonces, cosa que si bien no pasaba tan seguido era bonito de ver cuando se usaba.

Mientras que las actuaciones son muy difíciles de olvidar o confundir, de lo mejor que tenía la serie era cuando los personajes podían cuestionarse su propia labor, y el cómo en ocasiones la existencia de sus servicios llegaban a malos oídos y malas intenciones, proponiendo hasta una especie de dilema moral cuando se llegaba a este punto, y me pareció acertado el momento en el que se introdujo este hecho debido a que para ese entonces los capítulos comenzaban a experimentar más con casos más ‘’límite’’ o falopa con conspiraciones o engañar personas de altos mandos, algo que devolvió bastante de la vida a ese segmento de la temporada. Y si vamos a mencionar cosas así, cosas como la introducción de una segunda brigada para volver más creíble el desarrollo de varios casos o instancias en donde podían reconocer a los personajes de otras misiones para lo mismo, aunque este último punto es también parte de un principio retrasado sobre cómo -incluso con la naturaleza de la serie- los simuladores son tan poco ubicados por el ojo general, que Cozzetti nunca levante sospechas o cómo su estatus de ‘’under’’ permanece por tanto.

Acá podría empezar con los puntos negativos de hecho, la serie es poco sobria con el trato de los casos más difíciles, de la nada muchos puntos nunca explicados del plan entraban en acción y dejaban a uno desconcertado haciéndolo parecer más alguna especie de deus ex machina. En otras ocasiones personajes que no habían tenido ningún valor para ese entonces participan de salvadas de último momento o de capacidades risibles por lo que son ellos. También apuntaría a cómo las operaciones más violentas son las que menos creíbles son, por todo lo que mencioné en esta sección.

Si no me escucharon hablar tanto de Medina es porque, bueno, es el menos interesante de los cuatro. Constantemente en la serie se le ve a los personajes tener reacciones o actitudes que los sacan de su forma convencional de ser produciendo choques entretenidos, con Medina esto nunca pasa, el chiste de que es un manchildren y que es el bonachón del grupo era gracioso las primeras 10 veces, después ya empieza a cansar que tenga tan poco para ofrecer. Digamos que sí, su relación con el mexicano aquel estaba chistosa pero tampoco pasaba de ser una de las tantas cortas que tenía la serie, un chiste así de Medina lo tenía Ravenna al cuádruple, por lo que al final del día termina siendo un personaje no molesto, pero sí desentonado llegados a cierto punto.

Si bien destaqué el asunto moral, es verdad que mucha gente que se vio cruzada en sus casos es directamente cagada por el grupo, y jamás es como si esto se cuestionara o se dejara en el limbo de cara a una nota amarga. Es cierto que los simuladores no son ningunos héroes y eso los hacía especiales, pero que haya tanta estafa de por medio a personas que no se lo merecían cuando tantos inmorales se salen con la suya es cuanto menos, injusto.

Y sí, por si se lo preguntaban, toda la sub-trama con Milazzo me parece de lo peor de la serie. No voy a mentir con la atmósfera que estaban creando al introducir una fuerza antagónica verdaderamente peligrosa y preparada, que ante tanto enaltecimiento de las capacidades del equipo era hasta emocionante saber qué pasaría con una amenaza que de hecho, era la única realmente dispuesta a matarlos, o al menos capaz de hacerlo, si hasta habían introducido a Santos con genuino miedo al soñar con él arribando y acabando con todo el equipo. Era la oportunidad perfecta para tener un villano final, ¿y adivinen qué? No terminó en nada, sin que siquiera Milazzo pudiera comenzar a intentar algo el grupo consigue convencerlo de que todo era parte de una prueba para ir a asesinar a Bin Laden y así es como se lo sacan de encima. Sipi, lo más tenso que envolvía a la serie acabó siendo un bait y una auténtica tomada de pelo, ni siquiera te podés reír con la conclusión disparatada habitual puesto que la decepción es tan grande que hace que te importe un carajo. Como dije anteriormente, un trabajo bastante poco arriesgado, y creo que es quizás por eso que hoy todos esperan una película para finalmente ver algo de adrenalina auténtica.

Si bien expresé mi contento con la diversificación y dinámicas del cast, es algo decepcionante que al final del día no tengas tanto de las vidas privadas o aspiraciones fuera del trabajo como querrías, ya que casi todo lo que sabés de ellos es plenamente su operar y el estilo con el que operan siendo este el principal atractivo, y a Szifrón nunca parece importarle encontrar un sentido de la continuidad con sus desarrollos, cambios en sus relaciones, explorar de dónde sacaron sus tan bastas capacidades o qué hacían antes con ellas o de tenerlas. Es una lástima pero la situación del grupo es casi la misma desde el inicio hasta el final producto de la naturaleza episódica del show, tal vez puedo entender el porqué se disuelven al final y tal, pero no deja de decepcionarme este aspecto.

Es innegable que el show tiene un ‘algo’ que previamente no lograba conseguirse en la nación argentina si es que te ponés a analizar el contexto, una ficción ingeniosa, azucarada y cómica con un estilo con el cual poder identificarse sin sentir cringe es algo que se nota que faltaba por allá, y tal vez por eso atrae tanto. Con todos sus defectos sabe mezclar cotidianidad, diálogo inteligente, crítica y sofisticación con hipérbole, ordinariez, sarcasmo y giros en los roles, básicamente todo lo que soy yo resumido. Su falta de intencionalidad en complejidad podría hacerme darle el apenas aprobado, y seguramente todo el manejo de tonos apropiado, los mismos capítulos llegan a ser tremendo viaje por este mismo principio en donde podés conmoverte como podés cagarte de risa. Sería buena si tan solo tuviera una trama, pero en general no me desagrada.

Estaba claro que ante todo lo que la película original dejaba suelto del libro para enfocarse en lo más jugoso, se podría aprovechar el resto para una posible secuela, o al menos para seguir sacándole de qué hablar a ese mundo tan intrigante y basto. Más aún, en una época como la moderna, en donde la ida tecnológica cada vez sorprende menos y podemos tener un mejor panorama con las cosas que vemos hoy en día. Blade Runner 2049 era toda una oportunidad servida en bandeja para expandirse en lo que su predecesora no pudo o no se interesó para empezar con sus mismos conceptos.

El intento se aprecia por supuesto, la recreación del escenario más o menos unos 30 años después es lógica con los nuevos avances de los efectos especiales, todas las ciudades y alrededores tienen ese aura mística de estar bajo algo tétrico pero al mismo tiempo hipnotizante desde lo estético, la paleta de colores tiene una variación más extensa que en la película de 1982 por lo que quizás muchos lados que podrías imaginarte del mundo ahora pueden ser mejor llevados a la imagen, con situaciones y fondos muy detallados que muestran esta parte psicodélica un poco más a profundidad. Por este lado, la película logra con creces hacer justicia a su principio, pero no pasa de esta frontera.

Las actuaciones si bien son profesionales, hacen a los personajes muy parecidos a cómo podría verse una persona de nuestros días, con un montón de dialéctica mundana que choca un poco con el raye cultural que veíamos en la primera entrega, en donde alguien de estrato bajo podía tener cierta lejanía en su forma de ser a lo que somos nosotros ahora. Asimismo el setting luce más variado y rimbombante como mencioné, pero pierde en esa cualidad de atractivo-tenebroso que antes había, es decir, en asustar y enganchar, acá solo se engancha con lo visual y la producción logra hacerte una idea de lo loco que es vivir en este mundo, pero todo es detallado a un nivel muy limpio, nada de esa suciedad y tono lúgubre que teníamos anteriormente, parece que hasta las clases bajas tienen su parte de restauración sin casi nada de ese énfasis en la devastación, acá hasta una zona devastada y despoblada por radiación se ve como algo coqueto, y si no fuera por la ubicación en el contexto no tendrías razones para verlo como algo peligroso, así que lo visual pierde peso.

Incluso la trama reversiona un par de perspectivas de la original: ahora los replicantes son integrados en la sociedad pero únicamente los modelos para la obediencia, cosa que aún así no los priva de tener cierto vacío en llevar una vida sin ambición y dictaminada ya de antemano. No me molesta que sea así, el punto de la cinta era justamente explorar posibilidades que no se podían dar en el primer concepto y esta es una buena oportunidad para indagar en qué terminó siendo la aceptación de las maquinas en el mundo, el problema es justamente que se les cambia totalmente el propósito de ser inicial; acá los replicantes son víctimas más que las amenazas que solían ser, precisamente por esto de que se les priva de un objetivo propio en sus existencias y se les trata como cáscaras sin alma. Esto pudo ser una fuente enorme de temas interesantes pero terminó en la nada misma, porque estas motivaciones nunca son desarrolladas por los mismos replicantes sino que están lógicamente implantadas, es decir, si encuentran una reacción o un modo más humano que se salga de su misión a obedecer no será porque sean ‘’más humanos’’, sino porque su composición viene mismo con esas reacciones incluidas. Lo único que pueden hacer las maquinas es tratar de emular sensaciones o experiencias humanas como bien es presentado, y no hay ningún indicio de que esto no sea parte de su ‘’software’’ o lo que sea que tengan, por lo que el impacto en esto o el supuesto rechazo hacia los replicantes no tendría sentido ya que nadie debería sorprenderse.

El protagonista es supuestamente el catalizador de todos estos temas, con un arco sobre cómo termina encontrando la satisfacción verdadera al encontrarse el objetivo desinteresado de salvar a Deckard y dejar viva a su hija para que se conozcan porque esta última fue la que le dio sus mejores recuerdos (ejem, experiencias traumáticas de una infancia que no tuvo), por tanto termina redescubriéndose y probando cómo la humanidad puede trascender las fronteras de lo que consideramos seres vivos y yada yada. Mi punto era que nunca se te da nada para pensar que esto no podría ser parte de su programación, o de que estas reacciones empáticas que tanta ‘’humanidad’’ le dan al agente no puedan ser algo ya diseñado en él o en el resto de replicantes y no específicamente un rasgo de humanidad. Por ende, el tema de si lo humano puede trascender a lo biológico está mal planteado, ya que en sí mismo la naturaleza de los replicantes consiste en modelos para actuar o reaccionar ante diferentes situaciones, y no para un libre albedrío tal cual lo concebimos, es como si le dijera a una IA de internet que me raspé la rodilla y esta me dedique palabras de empatía, no es que realmente sea un ser tan empático como uno real sino que simplemente ese tipo de reacción estaba en su sistema, solo que no había ‘’desbloqueado’’ esa reacción digamos. Algunos me dirán que lo que digo es una chorrada porque en la original ya se exploraba la libertad de los replicantes, a lo que respondo que de hecho no de la misma forma, en el clásico se exponía cómo darle capacidad de raciocinio a estos podía causar destrozos al añadir un nuevo ser en busca de volverse más que una herramienta, en ningún momento estos tenían el anhelo de ser definitivos humanos sino en cómo podían buscar ser su propia cosa, y fungía como crítica al hombre por el manejo de un poder que le queda grande, y no al hecho de que estos seres ‘’sin alma’’ sean discriminados, a esto voy con lo que 2049 hace mal: si los replicantes no pueden ser más que una herramienta ES porque su misma naturaleza los vuelve eso, el hecho de que se desvíen o hagan su trabajo de forma diferente está en las probabilidades y la película original lo describía como un error y un exceso, pero si esto es así no es que se vuelvan algo más de lo que se te dice que son. De nuevo, no se critica por el mal manejo de estas inteligencias, sino por el trato a estas inteligencias, infiriendo una posición que en teoría no les pertenece.

A lo que también iré es que los replicantes son reprimidos por algo, en este mundo super avanzado no puede ser que se te muestre la decisión de mantenerlos apartados de anhelos fuera de sus obligaciones como motivo de repudio o que nunca se te enseñe una visión contraria a estos rebeldes que se te muestran. Por un lado tenés lo hermoso que puede ser un replicante encontrándose algo por lo que vivir por más que incumpla su orden, pero no se te muestra lo contrario, o sea, replicantes revelándose y haciendo estragos justamente por revelarse. Y no me sirve que me digan que la película anterior sí lo muestra porque de eso pasaron 30 años y el debate de esta otra parte no está ni planteado, cuestión que es pura victimización.

En medio de todo tenemos este conflicto sobre si los replicantes pueden quedar embarazados, y resulta que ahora eso fue lo que pasó con Rachel, por ende tenemos 2 partes: los que creen que es peligroso que esto se sepa porque causaría un grave conflicto y la que quiere precisamente probarlo para estudiarlo y así crear avances enormes para la ciencia y para apoderarse de quién sabe qué. Lo gracioso es que ninguna de estas dos partes está justificada, y es que ninguna se profundiza, la primera parece que solo está amparada en la paranoia unidimensionalizada de que los replicantes pueden usarlo para terminar usurpándonos porque son muy malos y la segunda es retrasada, porque supone que el nacimiento de nuevos replicantes siendo algo mucho más complicado y supuestamente ‘’peligroso’’ es mejor que la fabricación de un montón más de replicantes para trabajar en lo que sea como monos con maquinas de escribir. En síntesis, los antagonistas no parecen querer más que todavía un poder mayor del que tienen y ni siquiera se les da una conclusión una vez la parte de salvar a Deckard (quien ya se sabe por lógica que definitivamente no era un replicante) termina, bien lo podrían conseguir en un futuro cercano pero por ahora no. A todo esto resulta inconcebible la razón de porqué Tyrell habría creado una replicante con la capacidad de quedar preñada, ni se explica, ni se da una razón de cómo a nadie se le iluminó lo suficiente como para intentarlo por su cuenta, y en todo caso no explicar cómo carajo el mismo Tyrell jamás pensó en las consecuencias de esto. Esto no es más que solo un invento para tener historia y darle algo de importancia a los viejos personajes, y darle algo para hacer a Harrison Ford antes de que vuelva a aparecer en otra secuela de mierda.

De todos modos, los temas con el protagonista no solo parecen ser nulos sino que hasta parece que se burlan de los mismos temas que en el pasado se habían planteado; K tiene literalmente una novia holograma que lo acompaña a todos lados y nunca se te propone que esto quizás no le haga muy bien al tratarse de algo falso y pre-hecho para su satisfacción a lo Her de Spike Jonze, si hasta termina siendo puesto el momento de su deceso como algo triste cuando pasa, por más que al final se haga una especie de alusión a una crítica igual esto era bastante tarde. Algo parecido podemos hablar de su estilo de vida, que en un inicio es dado como la prueba de que un ser como él por más que no sea un ser humano merece tener otro destino al de la obediencia perpetua, sin embargo y como dije antes no tenés nada para pensar que esta forma de ser no está determinada por la manera en la que fue hecho, lo mismo pasa con sus recuerdos y el hecho de que tenerlos lo vuelva quien es -tema tocado en el primer film-, aunque sigue sin convencerme que esto no pase ninguna frontera ya que no es sorpresa para nadie en este mundo, los replicantes están hechos para ser lo que son por más que desarrollen comportamientos empáticos, la película se está respondiendo sola una vez se despeja la duda de si K es o no es una persona real.

Lo peor es cuando cerca del final e introducen a esta legión de replicantes revolucionarios que demuestran que nadie quiere nada perverso y solo quieren liberarse de su malvado yugo, y que inmediatamente convencen a K y parece que no tienen nada más para hacer. Aparecen, la líder le da un discurso a nuestro protagonista y parece que era solo para hacerle caer la ficha de lo importante que es luchar por el bien de su gente, haciendo quedar al del inicio como un pobre tipo y a K ahora como un transgresor porque en vez de matar a la hija de Deckard como se le había encomendado la dejó viva y le permitió conocer a su padre, independientemente de si esto realmente fue un avance para ‘’los suyos’’ o si siquiera evitó la probabilidad de que Niander Wallace se vuelva el amo de la naturaleza o alguna pajería por el estilo en un futuro, es solo sobre el deseo personal del agente de tener algo por lo que sentirse realizado, pero como esto no varía en relación a lo que se vio en la anterior entrega solo te quedás con un protagonista que cumple con su misión, como cambia un par de cosas en la ejecución ya es otra cosa y ya es como su ‘’liberación’’, por más que el mismo sistema que le impuso la misión recibió su servicio y no se liberó de nada más allá de experimentar una sensación que está totalmente dentro de sus posibilidades como instrumento inteligente.

Mientras que la relación con el holograma es un relleno que no aporta en el desarrollo de la historia o en el arco del protagonista al dejarse desde el primer minuto el hecho de que es un producto, y no cumple una función mayor a sacarle algo de dialogo a K dentro de lo distante y solitario que luce, al hecho de que los ‘’villanos’’ sean mismos replicantes y que por esto no podría decirse que su función es la de ‘’las víctimas’’, no lo tengo en cuenta porque en primera instancia las ambiciones perversas de estos personajes nunca están en el hecho de liberarse de sus obligaciones en primer lugar. Wallace y su ayudante claro que son capaces de hacer lo que sea con tal de llegar a ese objetivo del magnate de jugar a ser un dios con tanto poder en la palma de su mano, mas no hay pistas de una corrupción del valor replicante en estas intenciones, porque son malicias que podrían cometer humanos en libertad y nunca hay una diferenciación, por lo que incluso en esto la película fracasa en marcar la línea o en plantear un dilema al respecto. Acá también entraría el tema de la ciencia a un nivel desmedido o en ‘malas manos’, pero el asunto se desmorona cuando la única razón mencionada es mismamente el poder cual científico loco unidimensional, no tiene un punto en el avance o en querer expandir fronteras cueste lo que cueste, no es siquiera una razón personal ya que a nivel de caracterización y background el personaje es una piedra, simplemente no existen motivaciones sólidas en su búsqueda, es un lunático con ganas de ser un dios y poco más, no mucha más complejidad de escritura que un dibujito preescolar.

Todo el resto de temáticas interesantes como la devastación medioambiental, la inoperancia sistemática, las memorias volviéndonos quienes somos, entre otras cosas, son asuntos que vienen de la entrega anterior, y no reciben ningún tipo de recontextualización como para reiterarlos de una forma mucho más lenta y duradera, en tiempo que se tuvo que utilizar para profundizar cuestiones como las ya mencionadas. El drama de los recuerdos de K es algo que termina siendo artificial porque no termina siendo esto lo que le da ganas de conseguirse una causa aparte y solo era un bait, además de que prácticamente solo terminó su misión independiente a esta experiencia, con el agregado del bien desinteresado por supuesto, pero pasar por esta faceta solo nos dio momentos melancólicos que lo hicieron dudar y eso fue básicamente toda la película, preguntas y preguntas que iban disimulando el cómo la trama se fue llevando por coincidencias que iban enganchándose de a poco. Por un momento K parecía ser un elegido para encontrar a Deckard y salvar todo pero terminó siendo lo mismo que en un inicio se sabía que era, y al final todo fue para que lo terminen persiguiendo y encuentre a Deckard de todas formas.

Uno al analizar todo esto concluye que la película, teniendo tiempo de sobra para explotar y tratar todo lo que propuso de manera mínimamente cerrada, termina forzando tanto el poner una cosa encima de la otra que por este mismo caos todo termina sin concluirse; K nunca tiene una auténtica revelación a su sistema porque al final del día cumple la misión de ocultar la información a la empresa de Wallace, los replicantes revolucionarios permanecieron como siempre lo estuvieron y solo se presentaron para meter a K, los antagonistas ni siquiera son vencidos o limitados de alcanzar el poder que anhelan por otros medios, finalmente K no es especial sino que efectivamente toda su encrucijada era algo que venía con él y los otros replicantes se lo hacen saber, y por favor, ni tenemos ese momento en el que Deckard habla con su hija por lo que ni ahí se te da el gustito. Los temas están pasados muy por arriba y los que más insistencia tienen erran en su objetivo al no ir acorde con lo presentado respecto a la naturaleza de los replicantes o de los mismos acontecimientos.

Se siente todo tan impropio que Deckard parece otro personaje, mucho más doomer y ‘’estrella’’ que en la primera película en donde de por sí tenía un tinte depresivo, y era obvio que había que retorcerlo a un ermitaño agresivo para que se le note un cambio. Plus, la muerte del protagonista es demasiado similar a la de Roy, aunado a que el dúo antagónico es en imponencia casi un calco del que había en 1982. La liberación replicante acá más que nada es lo mismo con el detalle de que es completada, K y aparentemente los replicantes revolucionarios son nobles que no quieren dañar a humanos a no ser por ‘’bien mayor’’, por ende este cierre de arco es lo opuesto, el personaje no fallece luego de comprender algo sino sintiendo que en efecto hizo ese algo, cosa que hace perder todo el enfoque pesimista original cambiándolo por la idealizada autorrealización de un ser artificial terminando probablemente mejor que muchos humanos. En pocas palabras: un robot, que en representación de los robots buenos logra detener al robot malo que solo quiere el control del mundo como cualquier humano desquiciado, pero tenemos que creernos que estos robots que específicamente fueron creados para obedecer están haciendo el bien al desligarse de su función.

Así que sí, la película indirectamente te está diciendo que de todas formas los humanos nos equivocamos por más injusto que suene, nuestro error no está en las desviaciones de la creación, sino en justamente no-permitir las desviaciones de nuestra creación, o al menos así interpreta Villeneuve el punto de todo esto. El mensaje nunca fue que la relación humano-maquina es degradante, sino que precisamente es una relación que se nos puede ir de las manos, pero de alguna manera se te intenta meter un tema de rebeliones, embarazos y recuerdos que igual no sirve ante el hecho de que los replicantes son limitados por su funcionamiento y no hacen nada por ‘’casualidad’’, por lo que pensar en una realidad donde sean nuestros pares por así decirlo es macabro y de un fuerte mal gusto que contrapone todo lo que propuso el Blade Runner original.

Mucho de lo que habla esta película ha sido referenciado, estudiado, criticado, tomado de inspiración y releído una y otra vez en la cultura popular a tal punto que difícilmente escuchás sobre ella sin al menos un parrafito dedicado en donde hasta el reseñador más mainstream va a utilizar palabras que te lo harían ver como un intento de académico totalmente superdotado, y así y todo ni siquiera se estaría abarcando el absoluto de lo que compone a Blade Runner, así como tampoco se estaría hablando del material de origen de la mayoría de sus planteamientos si somos sinceros.

Siendo considerado el padre de las distopías cyberpunk y todo un ejemplo tanto desde lo estético como desde lo temático, con lo que es gracioso pensar en que casi por no decir ninguna de sus sucesoras ha logrado equiparársele. Hay que entender que para los 80’s todavía se mantenía el asombro y la incertidumbre por los avances tecnológicos a pasos agigantados, pero difícilmente se encontraba una óptica más pesimista y que en resumen abogara por un hipotético escenario más siniestro y en donde este juego de llegar a ser ‘’dioses’’ hasta cierto punto pueda irse de las manos. Por eso Blade Runner impactó tanto y generó tanto atractivo tanto en audiencia general como en escritores o filósofos, porque toma todas estas críticas a las sociedades industriales, la paranoia con depender de nuestras propias creaciones y el sentirnos intimidados por dejar de comprender lo que nosotros mismos hacemos o dejamos de hacer y las junta en una sola trama. Se explora mucho esta disociación de la realidad causada por la artificiación y el predominio de una hipotética tecnocracia en un mundo todavía desconocido, no tanto este pánico de los boomers de volvernos cada vez más dependientes de las creaciones del hombre, dándole a lo científico un estatus casi ilusorio sino más bien la genuina pregunta de cuándo es que hay que parar o en dónde están nuestros límites los cuales de ser pasados por alto ya sería subestimar nuestros problemas como especie.

Deckard por ejemplo es en sí mismo una muestra de todo lo anterior, es un agente que ya se siente distanciado de la sociedad en la que se crió ya que el ‘’avance’’ desmedido y el ecocidio desgarrador terminaron forjando una estética casi terrorífica en la que ya casi ni se ve la luz del día, en donde las ganas de vivir son remplazadas por las ganas de buscar una razón para seguir que no sea el trabajo del día a día, ya que las calles sobrepobladas y el aspecto tan tecnológicamente anómalo de los locales y transportes desemboca en un ambiente viciado. A esto viene lo que los años en su trabajo han vuelto al hombre, el cómo dedicarse a perseguir y asesinar personas que superficialmente parecen seres que sienten, lucen y razonan igual que él le ha afectado y hacerlo cuestionarse de su propio trabajo al que ahora debe volver, y en plena crisis suya es donde se desarrolla la historia. De todas formas no es que sea un pozo de devastación, al sujeto se le ve siendo sarcástico en muchas ocasiones y se le nota un cierto sentido del humor, hasta pese a su mencionado desencanto con lo que le ha dejado su labor parece saber llevar las situaciones con la mayor fuerza solidaria posible, incluso si no luce tan animoso o encendido en muchos momentos, pero tras esto ya propondré algo.

Como se mencionó los replicantes sostienen muchas cualidades inconfundibles con las de un ser humano: odiar, soñar, recordar, amar, temer, y es constantemente planteada esta idea de si deben ser puestas sus consideraciones a la par de las nuestras. Esto último claramente se contrarresta en la película, pero no por eso se saca de papel a los replicantes ya que si bien tienen en principio la tacha de amenaza está constantemente la duda de en qué dejan de ser humanos y en qué punto pueden hasta ser mucho más cercanos a nosotros de lo que se cree. Y acá entra Rachel, quien al conocer a Deckard se entera de lo que realmente sucede con las memorias implantadas a los replicantes y se le hace replantearse toda su existencia hasta ese momento, y cómo no fue más que una herramienta y una imitación hasta ese entonces recobrando ese vacío de no tener nada conseguido o por lo que luchar hasta el momento, lo cual con el conocimiento de su corta existencia agrava más la crisis interna de su personaje.

Al final a Deckard le gana la empatía y se la lleva con él, pero no porque Rachel le haya llorado lo suficiente sino por el vacío que él mismo llega a sentir al cuestionarse exactamente lo mismo, la sola idea de ser alguien quien no sos pero haber sido lo suficientemente convencido de sí serlo por esta realidad retorcida que termina desorientándote entre tanto que el funcionamiento de las cosas han cambiado es algo escalofriante, pero es algo en lo que podés terminar una vez llegás al punto de considerar qué hiciste exactamente en tu vida que te hace sentir orgulloso o qué en uno mismo lo hace sentir completo. A eso se va cuando se dice que Deckard en realidad pudo ser uno de los replicantes, no al misterio genuino de si lo era o no, sino a qué tanto renunció una vez se llevó a la chica consigo, si a todo lo que lo hizo valerse de ‘’algo’’ en su vida o a una mentira de la que debió exigir explicaciones en su momento como lo hizo Roy con su creador, cual hombre exigiéndole a Dios un propósito.

Volviendo con Rachel, sí, es con ella que se da el punto clave de que todo tu pasado y por ende lo que te define puede ser una ilusión que no te deja avanzar por vos mismo, pero no únicamente esto se trata con ella; su poca actividad en la trama tal vez sea un punto a criticar, pero prefiero verlo más como una consecuencia de la especie de terapia de shock a la que es sometida en la película, y esto también se abarca, el adentramiento en el saber de la verdad, el despojo de la inocencia y acarrear las consecuencias de entrar en verdadera libertad habiendo sido víctima de quizás un arrebatamiento de felicidad o conformidad, planteándose la cuestión de hasta qué punto tener en mesa todas estas consideraciones es algo positivo para uno si es que este sabrá acarrearlas y saber dejar de ser una herramienta simplemente. En la feminidad de la pobre Rachel es donde se encuentra su estado de delicadeza, y en el que su fragilidad le ha jugado en contra en medio de este baldazo de agua fría, terminando por ser Deckard quien trataría de preservarla aún cuando no hubo una conclusión personal en ella misma con todo lo que se le ha ensimismado.

En el trabajo de los blade runners no está únicamente el desinterés por la vida en la sociedad, ya que se nota en sí mismo una falta de rasgos sensibles identitarios a esta cultura, el mismo plot-point de que los replicantes son difíciles de diferenciar y requieren de un test para ser confirmados como tales no solo viene a cuento de la época en la que se está, sino en la misma sociedad que ante la indiferencia y la monotonía que ha generado el alcance tecnológico y sobreindustrializado se ha vuelto cada vez más irreconocible como humana, acercando cada vez más los hombres a las máquinas y las máquinas a los hombres. Obviamente se sabe en dónde está el límite, no es una película tan críptica a la hora de resolver estas incógnitas, y el dilema de si los replicantes merecen convivir con nosotros se responde solo: el mundo no está hecho para que seres que aún no tienen dirección fija y seres que han llegado a entender de dónde provienen sus inconvenientes coexistan, pero es la desensibilización, la desvirtuación del propósito y la uniformidad lo que nos acerca cada vez más a pertenecer al primer grupo.

Con esto es que se llega a Roy, que lejos de ser un villano convencional es más una víctima de las circunstancias, y que dentro de su pensamiento se le hace incomprensible que su creador no tenga la respuesta a sus plegarias no por un derecho a vivir más como cualquier humano sino por el saber qué razón hubo de ser creado como fue creado, ya que si bien sabemos cómo es que se compensa las capacidades sobrehumanas de los replicantes haciéndolos vivir apenas unos años, no hay una certeza en porqué fueron traídos al mundo, y esta escena del mismo Roy exigiéndole más de lo que ya tiene al hombre que le dio vida sin tener respuesta es un rompimiento de terror en el personaje y el paralelo directo con el hombre frustrándose por tener que encontrar su motivo en la vida por sus propios medios sin que un dios los comande en todo lo que haga a pesar de ser él quien lo trajo, siendo el momento del asesinato una representación de la mente corrompiéndose en el pesimismo de no obtener soluciones concretas, y haber matado a este ser creador en un afán egoísta de no saber cómo afrontar la propia naturaleza con la que uno vino a esta vida. Y si me gusta tanto su cierre es porque finalmente el comprender esto lo hizo llegar a la conclusión de que como lágrimas en la lluvia, la vida se esfuma no en la muerte, sino en el olvido y en el paso del tiempo, cosa que hace que no solo termine valorando a esta como el instante que es sino que terminando por comprender que al final lo que sea que se haga concluirá en morir con el olvido, dejando vivo a Deckard como un acto de piedad por entender esto mismo, sí, pero también como una especie de burla a que incluso cumpliendo este el cometido de acabar con los replicantes (no lo hizo) sus recuerdos y vivencias acabarán enterradas en el tiempo.

A la pregunta de qué diferencia a un humano de una inteligencia artificial quizás no se le da muchas vueltas pero la conclusión es tajante y es que la certeza de nuestra existencia es al final lo que vale, mientras nuestros propósitos y vivencias sean aprovechados y tenidos en cuenta para hacer algo de nosotros mismos nuestras vidas valdrán lo que tengan que valer, pero sin nada de esto nada de lo que experimentemos, sea real o implantado, tendrá algo de provecho y acabaremos siendo las víctimas más patéticas del paso de los años, algo que estas imitaciones vistas en la película no fueron capaces de completar al solo buscar más vida sin un punto como tal hasta el final en donde Roy abandona su desesperación al caer en que murió buscando su propósito, y por eso la esperanza viene con el último acto de Deckard, yendo en contra de lo establecido para él y por su propia voluntad ayudando a Rachel realizando un acto de humanidad que, en este contexto, le da algo de propósito y sentido contrario a la mentalidad estándar, incluso si puede estar equivocado en su solidaridad. De igual manera nada es tan importante como el constante tema de la identidad, y el saber de dónde puede venir esta en un ser cuyo pensar es compuesto por algoritmos o programaciones para servir de herramienta, cosa que va a la par con lo primero que mencioné sobre los propósitos: ¿de dónde sacaríamos uno si tenemos algo como la identidad en duda? ¿De qué manera estos seres van a saberlo si en sí mismo se sienten incómodos con la razón principal de su creación la cual fue servir a los humanos? No nos olvidemos de que la identidad como tal es algo desarrollado y concebido por los mismos humanos, y que por consiguiente los replicantes al solo tener recuerdos ajenos sus identidades son una imitación. Por último también está la idea de si realmente se salieron del algoritmo o nosotros mismos nos buscamos el mal causado por nuestra creación, lo cual es lo más lógico; de esta manera se termina por afirmar la postura de la película sobre el tema, dando a entender que si bien es algo discutible, está claro que bajo ningún término se debe de equiparar la vida artificial con la orgánica, y que un compadecimiento solo puede surgir de una óptica superficial entendible desde el mismo drama humano que nos vuelve solidarios, con seres que precisamente son capaces de engañarnos al aparentar tener nuestra misma sensibilidad.

Ahora bien, sabemos que el escenario está lleno de insinuaciones socio-políticas e independientemente de quiénes fueron los de la idea en la mayoría de cosas hay acierto. Los tiempos de producción capitalista desmedida de absolutamente todo tienen una clara plasmación acá, hay comercios por todos lados y a la vez mucha indigencia, con planos generales en los sitios más acaudalados para denotar la enorme desigualdad entre estos y los más precarios, siendo representados con planos más cerrados, poblados y agobiantes, la forma de ser mayormente apática de muchos ciudadanos solo vuelve más asqueante la experiencia promedio en las calles, los propósitos maquiavélicos detrás de la creación de seres con tanta consciencia con base en el avance estelar de la necesidad de los humanos de perfeccionarnos y alcanzar un estatus para el que quizás no estamos listos son apuntados desde lo bajo, muchas luces viniendo desde arriba como si monitorearan cada movimiento de los cientos de miles y miles de ciudadanos que caminan por las calles, y no hay mucha motivación para ver esto con buenos ojos siempre que lo veas con la vara del pesimismo desde un inicio; pese a lo fuerte e inundado de miseria que parece este mundo la estética tiene algo que llega a atraer para el espectador promedio, siendo una mezcla de la sensación de impotencia ante un escenario así de decadente y la de querer adentrarte más por la cantidad de cosas que de seguro cambiaron ante la curiosidad. Siempre con la pisada inicial de un avance científico pero no social apuntando a una disparidad civilizatoria, terminando por presentarla con todo el detalle distópico de la construcción de mundo.

Scott te hace entrar en el juego natural de cualquier persona de interesarte por un mundo nuevo con efectos visuales que establecen muy claramente lo que se vive, pero no todo lo que hay; el humo y las luces de neón que emergen entre lo sucio y lo mecanizado juegan, acompañados de un soundtrack que debe ser de los más inmersivos que he escuchado en mi vida, dando un aura tétrica pero intrigante y hasta romántica en cierto sentido, con esos toques relajados pero tan raros y alienígenas al oído que de verdad te hace creer que sería algo que se reproduciría en un escenario como este. La escenografía es un logro tan a favor que podrías estar viendo algo del 2020 y no diferenciarlo mucho a la distancia, salida de una época en donde era mayormente ingeniarse con lo que había y hacerlo parecer adherente. Los actores hacen un gran trabajo aportando a esta misma intriga ya mencionada sobre quién es una máquina y quién es un hombre, teniendo líneas icónicas en el medio dicho sea de paso, y luciendo un vestuario que interpone bien la idea de quién pertenece a qué clase dentro de este mundo y quién está en qué posición de trabajo o alcance.

Es cierto que las ideas propuestas son generalmente eso, propuestas, el desarrollo es más para llegar a una conclusión en lo interno mas no en lo que viene a hecho, quizás por eso a la gente a veces le saca un poco de onda que la acción tenga tan poco lugar y que al final todo quede tan abierto, porque no hay mucha explicación de qué fue exactamente lo que fueron a hacer Rachel y Deckard al huir, de si algo cambió luego de lo que pasó y demás, de nuevo: las reflexiones están más para tomarlas como un impacto en los personajes mas no como un incentivante a algo, y entiendo que en el público que busca emociones más fuertes puede ser algo incómodo toparse únicamente con más preguntas al final.

También es verdad que Deckard, pese a su dichoso porte experimentado, zafa de las difíciles más por haber tenido orto en situaciones específicas al querer aniquilar a los criminales y no tanto por ser justamente un oficial ostentoso, pero esto último lo puedo hasta interpretar como una forma algo singular que tiene la historia de dejarte en claro qué tanta posibilidad hay de que toda esta experiencia también pueda ser parte de un implante al tener en cuenta la posibilidad de que él también sea una máquina. Algo inusual como recurso como dije, pero no lo veo tan fuera de lugar y hasta prefiero verlo mejor así.

Cómo drama detectivesco sí que puede flaquear a un nivel cuestionable, tiene muchas conclusiones que caen por datos que en un inicio no llevan a ninguna parte y forzosamente la trama los hace conectar, la forma en la que encuentra a Zhora es un ejemplo de lo que estoy diciendo: el tipo se toma un Johnny mientras de la nada y gracias a la tecnología de punta le cae el chispazo de que quizás algo tenía que ver el tatuaje de la serpiente con las escamas que habían en la escena, y a partir de ahí su búsqueda va en suponer quiénes la conocen y le pueden decir dónde está, con éxito. Es un nivel algo expuesto de misterio, pero no es como que la cinta profundice en los métodos usuales de los policías en ese entonces, podemos tomarlo de muchas maneras y, aunque sea clave para el avance de la trama, no es que interfiera con los puntos próximos a tratar y concluir más allá de darte a entender que localizar a los replicantes nunca fue una tarea difícil para empezar.

Si vamos a lo concreto, Blade Runner es muy amplia con el concepto a tratar de definirse a uno mismo y creo que al final ese es su foco central, saber cosas como que el mismo Deckard al final no queda con un fin claro en su vida más allá de una mujer que en cualquier momento se le va, que si luego de esto tener que vivir con los miedos de no saber hacia dónde ir termina traduciéndose en vivir en esclavitud como decía Roy y con eso entenderle, entre otras cuestiones, no es más que otra forma de volver más irónica en sí misma a la temática: el caso del pasado constituyendo lo que somos en un todo, la humanidad siendo para sí misma su peor enemigo, el paso del tiempo arrasando con el alma de lo que formamos como sociedad y el error en querer experimentar con imitaciones al ni siquiera estar listos para lo que significa construir nuestros propios afanes y solucionar nuestros propios dilemas, que nos perseguirán, a vos, a mí, a todos, hasta el final de nuestras vidas.

Más allá de impactar lo que impactó en la cultura pop, fue toda una innovación, quizás no en conceptos por separado o idea de ambientación, pero sí en la aplicabilidad de todo en conjunto y con una idea sólida. Fue ese el momento en el que no ibas al cine ‘’a divertirte’’, perfectamente podés pasarla mal consumiendo algo así, pero el valor en retrospectiva es lo que vale, y muy seguramente esta sea la número 1 en esta vanguardia. Son demasiados temas para lo que es una trama tan fácil de encontrar en el sci-fi, que sin duda alguna componen lo que seguirá siendo por décadas y quién sabe si siglos uno de los más grandes de todos.

9/10

Este es otro de esos tantos intentos de retratar un contraste y un drama dentro de un ‘’artista’’, generalmente de una vida arruinada, para acertar algún meta-comentario sobre significados en el trabajo de uno, la vida privada siendo consumida por el narcisismo y obsesión con un mencionado trabajo que se termina comiendo más de lo que debería en tu también mencionada vida. Birdman busca darte una imagen del mundo del espectáculo en forma de cuento trágico-disparatado a lo 8½ o Sunset Boulevard, siendo casi igual de exagerada y sobre-dramática, pero con algo más de jugo para sacar de cosas como su protagonista o la intención de su final.

Riggan Thomson, un actor que vive de sus viejas glorias intenta regresar a la relevancia con una obra de teatro, una adaptación de un cuento de Raymond Carver que según él es ‘’su vida’’, pero que sostiene un drama a lo largo de toda la historia acerca de qué relevancia es la que realmente busca, si el sentimiento de poder y alcance que genera el estar en boca de todos o una autorrealización que verdaderamente busque evocar lo que siente luego de todo este vacío. Obviamente que en el medio hay más cosas para saber del personaje, entre sus líos familiares, relaciones con otros actores o productores, y un contraste de mentalidad que vuelve aún más divertido su conflicto interno: dos partes en su cabeza que tratan de callarse la una a la otra en el dilema de si este poder de fama consiste en hacer lo que se quiera siempre que contente a la gente mientras se tiene la capacidad de hacerlo, o si por otro lado la gente empezó a verte nomás de reojo y como un recuerdo porque justamente nada de lo que hiciste fue importante o arte estrictamente hablando.

En todo esto hay una visión de los demás que le recuerdan lo que siempre fue, o sea un actor que hizo fama y plata con lo comercial y fácil de digerir, que ahora parece querer hacerse respetar más de lo que debería, y a tal punto llega esta óptica que su misma hija se lo echa en cara cuando se le descubre que estaba fumando porro a escondidas. Las diferentes relaciones que se le ven a Riggan lo vuelven muy multi-facético, dándole ese lado maniático y ese sensible sin que desentonen al conocer gran parte de su pensamiento, sabemos mucho tanto de él como de sus métodos para tratar con colegas o trabajar, su rigurosidad y su depresión, parte de su trasfondo, su puntos bajos y altos o sus culpas que arrastra como todo elemento de trayectoria en el cine. En el medio ves a otros personajes compartir con él y hasta conocés sus conflictos, como Mike quien nunca superó esa etapa de adolescente hormonal engreído al no conocer nunca el amor ni el arte verdaderos, su hija a la que se le ve el dolor de tener a su padre como un perro viejo que busca dar una imagen que nunca tuvo y que hasta lo confronta, su ex mujer que pese a todo sigue sintiendo cierta preocupación por él y el daño que le provoca su obsesión con relanzar su carrera, o su socio productor que nunca deja de verlo como un loco suelto para ese punto pero que le mantiene un apoyo incondicional.

Está, por supuesto, el comentario del ambiente cíclico y tóxico de Broadway lleno de pervertidos y drogadictos narcisistas, el de la crítica ‘’especializada’’ siendo ya deshonesta y cayendo en motivos personales para terminar de hundir figuras mostrando su nulo profesionalismo, o el de la obsesión que puede generar el sentirse uno sin rumbo significando extremos que pueden costar hasta la propia vida. En todo esto se engloba el tema general de la película, que es básicamente la crisis de no saber qué es lo que amás de lo que hacés nublándote ante la idealización de un pasado, y cómo la ambición hace que esto te pueda llevar a un pozo donde todo comienza a molestarte y nunca encontrás solución.

Por supuesto que el lado cinematográfico es un sin respiro en el buen sentido de la palabra, con ‘’un mismo’’ plano secuencia que atraviesa todos los escenarios a medida que pasan las escenas, las cuales se separan por hechos específicos como apariciones de personajes o situaciones que derivan en llevar la atención de estos a otra cosa haciendo que la cámara tenga que viajar de nuevo, lo que nos permite no solo estar todo el tiempo con los personajes conociendo todas sus reacciones sino también mantener esta sensación buscada de agobio, que es lo que se da a entender desde el primer momento que siente el protagonista ante este mundo y esta edad que no parece darle descanso tanto físico como mental. Fuera de este exótico uso y edición particular de las transiciones, las visiones raras de Riggan acerca de lo que lo rodea ocupa un lugar interesante en el punto, con esas escenas de ciencia ficción y hechos surreales dando la idea de que no existe aún esa superación de ver al mundo como quizás antes lo veía, esa sensación de que todavía queda algo de ese poder guardado pero que ha de ser utilizado ahora en tomar un nuevo rumbo de éxito. Por otro lado, la musicalización tiene su juego en la ambientación que así mismo parece darse el protagonista al pensar y trabajar, y si bien no hay un soundtrack como la gente puedo reconocer que a veces te logra confundir en esas partes donde la mente de Riggan parece mezclarse con la realidad, usándose cortes bruscos en la música o ruidos de climas ajenos al presente incluso si no estás viendo nada explícito, justamente para aportar a todo esta locura. No puedo dar a destacar mucho de los trucos fotográficos más allá de alguna forma divertida de encajar a dos personajes en un mismo plano estando notoriamente distanciados o el esporádico uso de la primera persona, y no soy mucho del tiempo prestado para escenas de sexo, pero es en general una correcta dirección.

Dicho esto, con temas tan fuertes e ideas sugestivas que de hecho logran ponerte a pensar, ¿qué puede salir mal? La realidad es que casi todo análisis es válido alrededor de los tópicos, pero ninguno ante las conclusiones de estos, las cuales no puedo dejar de ver como a González queriendo hilvanar todo al final de forma precoz para terminar fracasando. Incluso podría empezar con los personajes fuera de Riggan quien si bien es complejo tiene un cast alrededor que, como hice entrever, funciona simplemente para complementar su arco sin más o dar uno que otro hincapié. Y no es solo que nadie jamás cambie o madure y que todo aprendizaje sea sustituido por etapas de enojo cual niños pequeños; Mike existe solo para darte a entender que es un degenerado por su vacío ya que solo es una cáscara que sabe actuar bien, punto que ya a los 20 minutos era reiterativo y hasta parecía sobrar haciéndose más desagradable que gracioso, Sam no posee ningún arco en especial más allá de ser ‘’la hija’’ y el ‘’nexo familiar conflictivo con todo esto’’, ni siquiera su asuntito de que se termina cogiendo a Mike y le gusta la maruja termina significando algo a fin de cuentas, el resto se resume en orbitar y recordarle cosas feas a nuestro protagonista en cuestión o en ser nuevamente una reiteración de los puntos antes mencionados, con un montón de sexo, alcohol, drogas o malas palabras para dejarte BIEN claro que este ambiente es una verga y parece que no hay nada más para detallar la decadencia que bajo estos principios, y se vuelve monótono.

Pese a lo último, la principal razón por la cual creo que la película fracasa en su punto es por lo mismo que le critico a Whiplash: lo más importante que es, por lógica pura, el tema del arte, no tiene NINGUNA indagación o preocupación dentro del punto mismo de la lucha interna en Riggan por hacer algo de valor, y el propio hecho de que la obra es ‘’su vida’’; la pregunta es, ¿cuál es dicho valor? ¿Cómo yo como espectador me puedo cerciorar de que sea efectivamente ARTE lo que hizo o pretende Riggan? La respuesta no existe, Riggan está hasta el último minuto divagando entre si la pretenciosidad, si lo comercial, si la profundidad, si lo que debo plasmar o quiero dar a entender, pero el contenido mismo es lo que no se está mostrando, y el objetivo del personaje en volver a dejar una marca se diluye si al final lo único que pareció generar fue una controversia y ser el hombre del momento o el más twitteado o alguna pajería del estilo. Sencillamente González se olvida de elaborar una finalidad en el arco de Riggan, o el que si al final lo que hizo (más allá de pegarse un corchazo en el escenario) tenía un contenido que vaya más lejos del ida y vuelta de la relevancia, puesto que sus problemas emocionales pasan únicamente por el contenido de su obra y si el fin se va en lo significativo y propio o en solo volver a ser una gloria, y cuando finalmente se llega a un acuerdo consigo mismo es cuando el estreno se da y ocurre lo que ocurre, sin una pista muy cercana de qué aspectos de todo este drama trató en su guion sacando los 3 diálogos que le vemos tener en su obra, que son los mismos siempre por cierto.

Con lo último doy a entender que en ningún momento lo importante es lo que hizo Riggan en su obra sino lo que quiso conseguir con ella, cosa irrelevante para lo que es el asunto de su autodescubrimiento, porque para eso se tendría que haber puesto en cuestionamiento el contenido de la obra en sí misma porque sino todo lo que ‘’recapacitó’’ no tuvo ninguna manifestación, y a diferencia de Synecdoche New York, el punto jamás es qué vas a plasmar, sino el para qué lo vas a plasmar, que no te digo que esté mal de no ser porque enorme parte del conflicto mismo va en lo que te hizo ser una estrella en algún momento, y que hayan tantos monólogos internos acerca de la trascendencia y la realización que se ve en el arte con su relación con el amor entre otras cosas termina siendo al pedo siendo que estas vivencias que lo llevaron a donde terminó no se ven nunca reflejadas en el trabajo de su vida, sino en las conversaciones esporádicas que el tipo tiene con sus cercanos, que tampoco interesa mucho porque no es como que el tipo se vuelva mejor persona o algo así entre su ambiente. Nada termina por concluir fuera de dar algún indicio o chiste negro de pelo suelto y sentirse por encima de todos, el simbolismo con volar o sentir que se tienen aún los poderes y demás metalenguaje es parte de todas estas referencias al estado mental del personaje que increíblemente no se relaciona a algún cierre sobre lo que se preparó en toda la película, la obra de Riggan.

Si también tengo que agregar, puedo resaltar el hecho de que la reacción social ante la obra de Riggan no contiene más detalles que un impacto mediático como si de eso tratara el arte, sin alguna otra explicación muy profundizada acerca de cómo es que ahora la crítica lo resaltó por irse al pasto con el final y hace 2 días parecía que se lo quería comer vivo por el hecho de existir, e incluso quitando el final de la película -con lo que insisto bastante-, en el trayecto no parece haber mucho interés por parte de ella en mostrarte qué tan bajo cayó su figura a nivel social o qué piensa verdaderamente el público entendido o el periodismo más allá de una vieja chota sobre su presente, está todo muy por arriba y hace que el contexto termine viéndose hasta sobre-dramatizado viendo la situación interna en comparación con la externa. Más bien, parece que el problema de la gente con Riggan es su ambición enfermiza y su estado emocional, no tanto el hecho de qué fue lo que hizo y cómo le afectó, parece que es Birdman y listo.

El punto que le veo querer hacer a la película es que no importa realmente quién haya sido Riggan, sino que su percepción de sus capacidades es lo que le puede determinar su futuro o su trascendencia; dicho en criollo, está el mensaje de que mientras sepas que sos capaz de hacer arte, es cuestión de vencer las manchas que deja el retorcido mundo del espectáculo que reduce a este al mínimo para darte cuenta que triunfar al final era otra cosa. Suena bien, e incluso se lleva bien hasta que caés en que lo más importante de todo, que es el significado del trabajo de Riggan en sí, nunca se explora, y hasta se deja la idea de que no importa si total los artistas ‘’son los únicos que entienden’’, que hasta se emplea como argumento para rebajar el concepto de crítica y el de los que se deben encargar de digerir las obras. La superación de los complejos generados por tu gloria perdida es importante, pero no garantiza la creación de un arte de más o menos calidad; nuevamente con el ejemplo de Whiplash, donde si bien el mensaje del sacrificio y arrancarte de cosas que amás por tu compromiso con tu arte es correcto, no hay nunca un inciso en cuál es el contenido de ese arte, y por ende la obra entera bien puede tratar sobre grandes intenciones, pero que al final no necesariamente pueden tener un resultado satisfactorio. Claro, con Whiplash pasa que la película es estrictamente sobre el sacrificio y al final es parte del punto el hecho de que no se sepa bien para qué fue todo porque el tema va en si valió la pena o no, en Birdman el drama es justamente qué es lo que debería buscar para su carrera, por lo que el no centrarse en qué fue de su obra es un error en sí mismo.

Poniéndome un poco más personal, gente como yo, que consume arte y como sana práctica le busca tomar un valor para quedarse con lo mejor desde que tiene uso de memoria, la evaluación no es un reclamo para que me dejen contento o una forma de creer que el artista a mí me debe algo, es simplemente una forma de separar lo bueno de lo malo o aunque sea lo menos bueno de lo genuinamente malo, si creo que esta película le erra en dar una representación de cómo trascender con una obra es porque enfoca mucho el punto en la opinión de ‘’entendidos’’, y nunca en la inspiración de la gente, en la pasión y el don, no tanto en lo personal y el sufrimiento. Al mismo tiempo el único crítico ‘’respetable’’ que se muestra en la película es tratado como un atacante directo a lo personal y en nada a lo artístico, y el hecho de que Riggan nunca parezca recibir un indicativo de que de verdad hay un desarrollo en él y un impulso por ser diferente sin ser un golpe psicótico (no lo culpo, se estaba muriendo y su nena estaba más atenta al impacto en redes que a su estado) hace que menos pueda entender cómo es que la obra fue igual durante toda la transición emocional salvo por el final en donde ahora sí se la da en serio. Todo esto que nombro es prueba viva de que la película jamás se mete en qué es en serio el arte, y solo divaga en un arco que expone problemas y parece apaciguarlos para que el protagonista tome una decisión final volviendo a la cinta pretenciosa, decisión final que no interfiere en realmente mucho de su obra completa, la cual jamás interesa, ergo jamás interesa el contenido, ergo los temas están incompletos y la escritura está a medias.

La trama debe ser lo que peor funciona desde un comienzo, no solo por esto que nombré de que no se apunta a un desarrollo de mentalidades, sino que todo va de delirio en delirio hasta que un delirio más grande se da cuando la cosa se pone un toque más jodida convenientemente (Mike queriendo coger frente al público, este último levantándose a la hija de Riggan, este otro en situaciones cómicas exageradas que son fácil detonante de su ya expresa locura), llegando así al final en donde se le salta la chapa totalmente al protagonista y este termina por hacer la más grande locura. Como verán, no hay realmente un hilo de sucesos que vayan armando un panorama dado para la reflexión final, sino que esta es sencillamente la culminación de otras varias reflexiones que muchas veces son independientes a los acontecimientos y a la interacción, es decir, la vida miserable de Riggan es algo que viene en su starter pack, y también su forma de pensar, la conclusión que vemos no es la de las cosas que le pasaron, sino la de su serie de pensamientos que siempre estuvieron ahí independientemente a la trama que vemos, lo cual termina siendo poco más que un impulso para armarse en valor y hacer algo arriesgado que, como vimos, no estaba tan relacionado al enfoque reflexivo pese a que la película te quiere convencer de que fue una genialidad ‘’por parte de un loco’’.

Mi problema con la película no es su poca seriedad, sino su intención de convencerte de algo que jamás demuestra, es un mensaje que se entiende desde el arco de personaje pero no deja nada claro en su catarsis, que no termina significando un cambio de intenciones, de planes o de cosmovisión, sino el fin de una lucha interna que desde los primeros 30 minutos se deja ya bastante explícita y no obtiene mucho añadimiento más allá del recado final el cual queda en vano ya que nunca sabés si en verdad todo lo reflexionado se agregó a la ambición del protagonista -que es en lo que gira la obra alrededor- o si simplemente fue una conclusión personal. Cargada de metalenguaje, críticas fáciles y algo de pretenciosidad, suficiente para dar un balance que a cualquier casual podría seducir, por lo menos.

5/10

The King’s Speech sostiene este principio de volver divertida una situación que verías en algún dramita mundano sobre una escuela o familia numerosa pasado a un contexto de grandísimas magnitudes, en este caso la asunción de la corona en Reino Unido, metiéndose con una que otra facción del asunto en la época de los 30’s y dejando una imagen si bien bastante típica en las películas de esta época, por lo menos bonita en la impresión final sin entrar en terrenos que no vienen al caso o en los que de antemano se sabe o se puede suponer que el autor seguramente sea un ignorante (ejem, Segunda Guerra Mundial).

Bertie, un duque hijo menor del rey, sufre por su tartamudez e incapacidad para comunicarse correctamente el tener que ejercer la responsabilidad de ahora ir al mando del imperio pese a no quererlo ni merecerlo, puesto que su hermano mayor a quien nunca le pudo hacer frente en su afán de casarse con una mujer previamente divorciada debe abandonar los valores requeridos para la asunción en pos de sus propios intereses, por lo que debe recurrir a un terapeuta para mejorar su comunicación. Solo con estas líneas ya se ve lo que dije anteriormente, la película pretende volver simpáticos los dramas de un rey que no se siente listo para asumir, y para peor, en un contexto tan fuerte como el previo al comienzo de la WWII el cual ya se sabía que estaba a la vuelta de la esquina.

Hay cierto énfasis en esto del mal carácter y costumbres que en un inicio presenta el protagonista, por eso lo primero a destacar es cómo la amistad entre este y el terapeuta se desarrolla tan amenamente y cómo se te logra hacer ver tan orgánica la relación que puedan llegar a tener dos espectros sociales completamente diferentes, ya que si bien es verdad que se deja en claro las diferencias tanto en idiosincrasia como en preferencias de uno y de otro, el contraste mayor está en el de poder-carisma/personalidad, siendo Bertie quien al final necesita aprender de lo que en un principio sería un plebeyo insignificante al no saber en qué plan ejercer su poder al no verse psicológicamente listo. Asimismo Lionel ve en Bertie alguien diferente de quien pensaba al ir viendo cómo se destapa de a poco con él en su verdadera forma de ser, con las diferencias que podrías esperar de un terapeuta medio fraca que nunca pudo destacar su carrera como actor amateur y un literal heredero al trono. Llega un punto en donde hasta por inercia los dos se comprometen entre sí a hallar una solución, les ves otras facetas a Lionel, ves a Bertie controlar un poco más el temperamento, y demás cosas que se dan entre que la relación se desenvuelve y atraviesan juntos distintos lados del asunto, tanto bajos como altos.

Lo central de todo es entender esta pavadita de cómo inseguridades tan fuertes pueden llegar a irrumpir en la determinación de hacer algo que pese a todo es lo que te tocó, tratándose con algo tan grave como la asunción del cargo más importante que podrías imaginar en tiempos próximos a una guerra mundial. No es lo más trascendental que te vas a encontrar al menos en comparación dentro del contexto, la comedia llega a suavizar mucho de la seriedad con la que un tema así debería ser tratado, mas las actuaciones y la sencillez del hilo lo vuelven disfrutable, por lo menos las intenciones no parecen ir muy lejos más allá de retratar el momento histórico.

Por supuesto que Bertie no recibe ningún cambio repentino, de hecho su logro es apenas dar un discurso sin trabarse mucho (si supieran lo esquizofrénico que era el de la vida real), Lionel tampoco más allá de comprender lo importante que en una de esas puede ser alguien socialmente mucho más abajo para uno de la casta superior, lo cual tomo como una forma realista de decirte que en efecto, alguien como Bertie a quien se le expuso su pasado y relaciones de años que lo llevaron a estar como vemos en un inicio no va a cambiar de la noche a la mañana, pero es el afán de asumir la responsabilidad y dejar de llorar lo que lo llevó adelante. Si bien admito que Inglaterra como imperio no es santo de mi devoción (y mucho menos los últimos 2 siglos), el mensaje y la historia en la que se basa es aplicable a casi cualquier cosa en la vida, de hecho creo que el contraste de solo un ciudadano que tiene carisma y un rey es lo suficientemente exagerado como para poder meterlo en la mayoría de ámbitos que puedan involucrar clases sociales. No es cuestión de equipararlos y decirte que son todos iguales, al final de la película cada uno tiene su rol y cada quien su responsabilidad, sino de hacerte ver cómo pueden llegar a necesitarse y rescatarse cosas una parte de otra.

Claro, algunos se quejarán de esta ‘’humanización’’ barata de la casta monárquica despojándola de su derecho divino y volviéndola algo más de auto-superación y tal, lo mismo con toda esta crítica a la decadencia de la corona y la desilusión hacia las nuevas generaciones exponiendo devaluación de valores e irresponsabilidades (que de hecho pasaron), el comentario acerca de la importancia que ha perdido la figura del rey post-guerra mundial contra lo que seguía generando, etc. De esto puedo decir que por un lado sí, puede resultar extraño el cómo en ocasiones se rebaja demasiado a la gente de la realeza para dar gracia o para dejar en claro un comentario de capacidad, pero por el otro no puedo dar el brazo a torcer a esta queja si directamente la película te dice que esto es cuestión de simple degradación, y no es como que esto no se enseñe -pese a no ser profundizado-. Los comentarios al respecto terminan hasta enalteciendo al nuevo rey, mostrando cómo asumió su camino de todos modos definitivamente con ayuda de su nuevo amigo.

Si hubiera algo de qué molestarme, tal vez lo sería la nula muestra de consecuencias tanto negativas como positivas del hecho de que el rey no esté listo para asumir en una situación así, la reacción social es casi totalmente dejada de lado, así que realmente no estamos sabiendo qué está ocasionando lo que transcurre. Lo mismo diría de que más del 50% de la trama consiste en ‘’pobechito le cuesta hablal’’ y no se está desarrollando ningún conflicto fuerte alrededor, es decir, las stakes demoran en aparecer y cuando aparecen ni siquiera vemos el impacto que tuvo todo lo que vimos, en parte también porque nunca fue el punto.

Sí es verdad que muchos personajes que vemos solamente sirven para armarle la trama a los dos principales, como también es verdad que la crisis de negación al trono no tiene tanta indagación como el asunto de la comunicación, lo cual es importante y da un lindo recado sobre la seguridad del rey siendo la seguridad de su gente, aunque no tan interesante como lo que pudo ser un drama de conflicto interno más detallado. Sobre esto lo cierto también es que pese a la amistad que desarrollan ambos personajes a Lionel lo podrías remplazar con una MPDG de libro que aparece en la vida de un personaje para solucionarle un par de problemas y la verdad no sé qué tanto cambiaría la idea, haber indagado un toque más en su drama habría mejorado su conclusión desde lo temático y definitivamente su última impresión.

La dirección no es muy profesional si tomamos varias escenas en las cuales el énfasis de encierro o lejanía no parece tener mucho sentido, y véase las partes en la casa de Lionel, sí están bonitos los PPP o PD cuando el protagonista habla o la coloración que suele identificar a Inglaterra según el escenario en cuestión, pero no-habiendo nada sólido que la cinta quiera enseñarte con esto sigo sin verle sentido. Salvo por los momentos de discurso la musicalidad tampoco me parece que sea nada extraordinario para el caso, aunque para no dar tanto palo he de admitir que los escenarios elegidos para las escenas más cómicas son un acierto y saben prestarse, la decoración de los escenarios correspondientes a la época y las actuaciones están acordes, pero esto es todo lo que tengo para decir al respecto.

Al final te quedás con un intermedio entre mediopelo y decente en donde no te queda muy claro qué carajo quiere hacer la película, tiene un tono suave con un ritmo tranquilo la mayor parte del tiempo hasta que las cosas se truncan, la trama no cuenta con mucha complejidad si la entendemos por la línea trillada de dar lo máximo hasta que encontrás la solución para una superación personal, cuenta con su cuota de comedia aunque no siempre es de la mejor cuando se sale de las interacciones en las terapias entre Lionel y Bertie, y si bien cuenta con un mensaje lindo sobre las veces que puede haber unión o retribución entre clases distantes y lo que en verdad importa para la corona en tiempos más recientes, nunca está siendo clara acerca de quién le hizo mejor a quién, incluso si da la lección de que de todos modos ambas partes deben dejar algo de sí. Nunca se mete en lo verdaderamente interesante que es lo que pasa alrededor, de hecho ni se asoma a tratarlo, y es por esto mismo que me inclino a tomarlo más como un drama simpático que solo quiere mostrarte la formación de una amistad particular y conmovedora.

6/10

El trastorno de personalidad o identidad múltiple es algo a lo que difícilmente le podés sacar un trato coherente a niveles de narrativa, especialmente porque en casos así cada personalidad trata de tener su propia individualidad e imponerla. Naturalmente soy de quejarme de que muchos personajes en una sola película termina siendo algo incómodo y a veces molesto y desfavorable al significar que puede que muchos que supuestamente tienen relevancia en el papel sean al final desaprovechados o faltos de la profundización necesaria, todo para que a un nivel individual ninguno termine por ser valioso, y esto puede pasar si tu personaje de base es varios al mismo tiempo.

En Split Shyamalan hace que suceda algo similar pero de forma un tanto diferente y con mucha atmósfera que a él le copa: un hombre quien fue víctima de abuso y abandono de pequeño acabó por desarrollar 23 personalidades diferentes una de la otra que representan lo que él nunca pudo ser en vida y en son de ser algo que evite la raíz de todo ese abuso. Kevin Wendell, a quien se le forma un trato trágico con todo esto de la desconsideración de ‘’la mayoría’’ y esos impulsos de querer demostrar algo ante la sociedad, y esa supuesta ‘’bestia’’ que todos llevan dentro y que se paraleliza en parte con la deuteragonista femenina, una de las tres chicas que secuestra una de sus tres personalidades perversas quien actúa como depredador sexual.

Todo esto suena grandioso hasta que lo ves pésimamente ejecutado, en especial la parte de la exploración de Kevin, a quien nunca conocés en la película de hecho, lo único que tenés es que sufrió abuso y listo, eso es todo lo que se te da del personaje en sí, lo demás son personalidades unidimensionales caracterizadas por una o dos boludeces que a veces ni son rasgos identitarios sino una capacidad física, que están en él actuando con su cuerpo cual caparazón, pero al ‘’original’’ de base nunca lo estás viendo, sino que ves a las capas que supuestamente están para protegerle del mundo exterior, bajo un conflicto interno AUTO-IMPUESTO, porque este drama con que no los toman en serio es algo que no necesariamente nace de un grupo de personas que activamente se muestren actuando contra Kevin y su caso, sino que esto es muy poco mostrado y la única en condiciones que interactúa con el pelado es esta doctora anciana que de hecho lo trata bien, por lo que el problema siempre termina siendo Kevin en instancia presente y con esto la narrativa de la película se contradice.

A todo esto entran las víctimas, y no me voy a detener a hablar de cada una puesto que todas comparten la característica de existir únicamente para sufrir y no significar mucho avance en la trama al ser la mayoría de sus intentos frustrados e irrelevantes para que algo mejore o evolucione, y de hecho la mayoría de ventajas y situaciones de tensión real se dan por los convenientes momentos en el que actúan más personalidades que casualmente ahora no son hostiles, claramente para no volver tan aburrida la dinámica y para que se pueda conseguir ese balance de tonos y alivianar el ritmo denso con tensión al mango, cosa que siempre le puedo reconocer a Shyamalan, pero en este caso es una demostración de que no hay mucho más de qué agarrarse para que se vuelva interesante.

Casey tiene un pasado marcado y supuestamente su caso es un contraste con Kevin y este hecho ‘’Bestia’’ por fin, demostrando cómo puede transfigurarse en víctima y victimario, y si bien lo entiendo no puedo decir que esté bien llevado a cabo como tema, principalmente porque este pasado al final no sirve para nada porque no ves más de Casey fuera de su situación de víctima de secuestro; soy partidario de que se explore un trasfondo para cualquier personaje y saber lo más posible de este, pero solo si esto tiene un propósito, acá se nota que no es el caso ya que como dije lo único que hace la mina en toda la película es buscar escapar e interactuar con las personalidades de Kevin para sacar ventaja, pero nunca hay un vínculo real establecido por lo que el hecho de que este le perdone la vida al final se siente forzado y conveniente para que la muchacha siga viva en la siguiente entrega. Al final todo tema queda relegado a un reduccionismo de un personaje exagerado por una única característica del pasado que es el maltrato doméstico y otro que te tiene que importar pero nunca hay una construcción sólida en base a su también trágico pasado, está todo pasado muy por arriba y poca conexión tenés con las acciones y paradero de los personajes más allá de una relación vaga.

Lo ridículo que tiene que ser todo para que al final el protagonista no solo sea un montículo de personalidades unidimensionales que tienen a priori el mismo objetivo, ni tampoco un ser divagante en sus acciones que al final ni siquiera consigue un objetivo visto en práctica y efecto en la película (se deja totalmente de lado) siendo algo que te deja pensando en cuál fue el propósito de todo si nunca hubo un impacto en nadie más que 4 personas, de las dichosas 23 personalidades solo ves 4 o 5 por lo que no sabés exactamente en qué influyeron el resto, y ninguna termina por formar un conflicto definido que se sienta personal justamente por la falta de individualidad de cada una al ser parte de uno solo, está esto de cómo se quieren hacer ver y prenderse fuego acusándose entre ellas con la doctora pero nunca es algo en lo que se gaste un tiempo serio y se resuelve rapidito, y el foco parece ir más hacia una película de terror que al final se resuelve por que a la víctima ya la habían abusado también, como dije es igual a ver un montón de personajes diferentes que ni siquiera tienen como atractivo una dinámica divertida, y recién al final se te da una especie de forma para detener a Kevin llamándolo por su nombre por si la película no estaba dando suficiente changüí a los personajes para poder zafar. ¿Cómo quieren que me tome en serio lo que le pasaba al personaje desde un inicio si hasta los últimos 15 minutos era tan fácil de detener? Como si de la nada se sacaran una criptonita o algo por el estilo para detener a una mente ya muy ida de mambo y a la que nadie más que una vieja cagada le dio la interacción necesaria para prevenir que justamente algo así pase.

Las capacidades de Kevin tampoco tienen mucho sentido cuando se pasa a ‘’La Bestia’’, es capaz de trepar por las paredes, aumentar su velocidad, mejorar su físico, fuerza, recibir balazos de cerca, y es algo que forma parte de una serie de giros que van arruinando la escritura y es el nivel de realismo que va disminuyendo a medida que el argumento avanza. Se empieza con una condición del protagonista, aunque con un propósito cuestionable, entendible e interesante, creíble sobre todo, pero cuando se te lleva a la recta final todo va perdiendo el sentido y se pone demasiado absurdo a niveles en los que no te lo podés tomar en serio, y creo que es parte de que esta película necesitaba desesperadamente tener parte de ese toque sobrenatural para estar conectada con Unbreakable (ver reseña) y derivar en Glass, cosa que comprometió a la trama para terminar con un plot-twist tan pedorro.

Es más, mucho hablar de la tensión, pero acá hasta el tercer acto no sentirías ninguna esperanza por las chicas si las rotaciones de identidad repentinas no fueran de lo más conveniente, y lo insultante que se pone cuando te das cuenta de que hasta el mencionado final no se les ocurre escarbar entre los estantes con cajones para tener una mínima probabilidad de escapar en váyase a saber cuánto tiempo. Tampoco sabemos cómo hizo Kevin con tanta inestabilidad en su actuar para organizar tan bien su escondite y que al final solo se entere gente por la gansada de dejar viva a Casey cuando le acababa de disparar.

Desde lo técnico se destaca más que nada la actuación de McAvoy que es bestial y da carisma a esa ‘’aleatoriedad’’ del personaje pudiendo ser aterrador y adorable en nada con efectividad o haciendo que se le pueda reconocer la personalidad solamente con la expresión del momento, un relojito. El soundtrack le da mucha contundencia y suspenso a los momentos de pánico y aunque no haya un punto de inflexión marcado, más allá del momento del tren que más bien parece arte de magia, las transiciones y el uso de los sonidos de ambiente sin muchos efectos suelen estar bien dejados. Si le tendría que criticar algo serían esos molestos planos frontales con ese raro enfoque que se extienden de más en ocasiones y descoloca al espectador en momentos que no tienen tanto significado, lo mismo digo con la iluminación en algunas escenas como las de persecusión que repiten mucho los contrastes y a veces evitan la visibilidad al no ir muy bien acompañado con el movimiento de la cámara y actores, pero en líneas generales no es algo terrible al menos. Destaco el trabajo en añadir elementos alegóricos como los reflejos en ciertos lugares o toda esta insistencia en las barreras que representan las puertas o el disparo del final que une el pasado de Casey, así que algo para agarrar tenemos.

El disparo en el pie más grande de esta serie de películas yo ya dije que es su esfuerzo para que lo sobrenatural adquiera un peso temático, cosa que en el intento comúnmente aplaudo pero no puedo decir eso acá, ya que se nota lo metido con calzador que está todo, se supone que es la presentación de un villano, pero sus motivos no están en una relación seria con el trasfondo puesto que nunca sabés qué tiene que ver exactamente lo que le ves a cada personalidad con el trauma de Kevin porque 1) nunca sabés nada de Kevin originalmente como persona propia y 2) tampoco tenés una indagación sobre cómo el trastorno se fue desarrollando e instalando en el pelado. Todo lo estás teniendo que asumir de las conversaciones que tiene con la doctora y este sentimiento de ser ‘’la cúspide de la evolución’’ solo lo deja como un Syndrome esquizofrénico que más bien parece esta típica agenda de monstruo incomprendido y agigantando por capacidades que ni tienen sentido para empezar. ‘’Atacar solo a los que no han sufrido’’ es más la clase de cosas que diría un bicho edgy de algún creepypasta del 2009, lo que a final de cuentas resume a las películas de Night Shyamalan.

Los demonios de abuso y abandono al final no significan un aprendizaje o un punto clave para nadie, la catarsis de Casey es solo dispararle a ‘’La Bestia’’ sin nada a aplicar en la vida posteriormente, el simbolismo de Kevin con los espejos y sombras está bien implementado pero nuevamente no vemos en qué afecta al trayecto del (o los) personaje de ahí en adelante porque no importa, es la liberación de un monstruo random para tener en combate en la próxima película, basado en una naturaleza rebuscadísima y en un caso psicológico que no obtiene conexión fija o elaborada con el pasado del personaje en cuestión, simplemente porque no pasás el tiempo necesario con el hombre en transición, por lo que el resultado es una historia de abusos que resaltan al sufrido como un mayor aunque de los dos uno es un loco de mierda y la otra sobrevive por salvarse de pedo en múltiples ocasiones y ser perdonada. Si es que ese es el mensaje, solo puedo decir que usaron una situación delicada para justificar el actuar de un personaje del que ni tenés una perspectiva propia y real, siendo una inconsistencia andante que actúa aleatoriamente en pos de un plan agarrado de los pelos (heheh) que lo deja peor de lo que en un inicio se pinta como lo que se piensa de él, es decir, su fantasía mental.

Es una de las peores formas de plasmar un caso de trastorno derivado de abuso psicológico, dándole nula profundización y recurriendo a reduccionismos y paralelismos chotos que no están contribuyendo a ningún tema a cerrar que no termine viéndose como algo que no venía al caso, es en conclusión, un slasher retrasado pintado de estudio mental, sin sostén real en algún tópico a tomar en serio como mensaje.

El Hoyo adquirió una cantidad impensada de popularidad al recién estrenarse en Netflix, tanto en los países hispanos como fuera de estos, inicialmente por su concepto tan atrapante y poco usual, y después por la supuestamente elaborada crítica social y comentario análogo sobre las sociedades capitalistas. Muchos se interesaron al comienzo debido a lo que esta producción significaba para el cine español, siendo muy exitosa y alabada, aunque no por los motivos correctos precisamente.

En principio parece una amalgama entre Cube y lo más social de Snowpiercer, personas que caen por la ley o voluntarios queriendo buscar salida laboral o económica se meten a una especie de edificio con más de 300 pisos en donde un banquete va bajando del primero hasta el último y para que todos coman debe quedar comida hasta el final, cosa que se prueba como imposible y que a eso de los 90 pisos ya casi dejaba de haber alimentos. Creo que se entiende en primera porqué se le da esta fama de anti-capitalista y anti-clasista, se muestra a la gente corrompida de alguna u otra forma por el afán de sobrevivir, y ves a los habitantes de cada sector del hoyo mejor o peor mentalmente según qué tanto tiempo llevan ahí, también se ve cómo en un punto nuestro protagonista trata de cambiar las cosas, por lo que al menos no es una trama estática como varios dramas carcelarios.

Desde lo conceptual se le pueden hallar muchos puntos interesantes y que dan para debatir si se le ve como survival, pero al mismo tiempo y viéndolo como una crítica social tropieza en un montón de cosas. Primeramente el paralelismo con una sociedad capitalista es ridículo al tratarse no solo de una cárcel, sino de un sitio en donde la gente ingresa voluntariamente, haciendo que todo pierda su peso inicial puesto que al menos el caso del protagonista no era algo de vida o muerte, y el resto de personajes está tan poco profundizado que ni siquiera uno puede conectar con sus dramas que los llevan a meterse allí. De lo que queda y los que no comparten situación con los últimos, solo tenés gente de mierda o lacra social, por lo que tampoco se puede aplicar un discurso de ‘’injusticia’’ contra ellos.

La idea de que ahora Goreng es como un mesías que salvará a los de abajo con su solidaridad aparte de fantasiosa y cringe es impráctica con lo que supuestamente la película quiere establecerte, porque dentro de esta sociedad no hay ni trabajadores ni medios de producción, los pisos van siendo cambiados y seleccionados aleatoriamente por lo que la forma de vivir de las personas en grupos queda en la irrelevancia, y el sistema de arriba parece buscar explícitamente matar a los que deja más abajo puesto que si hay gente que puede pasar años ahí es obvio que en algún momento decenas morirán al tocarles dos meses seguidos un suelo bajo. Lo mismo aplica al igualar en condiciones a uno que se metió por voluntad y a un asesino, cosa que nunca se aclara en la película y menos entendible se hace al tratar sobre algo que transcurre en el futuro.

Las reglas parecen hechas por gente estúpida o mal de la cabeza si lo pensás, ningún sistema de los que quieras criticar va a ser tan idiota como para permitir que gente muera a sabiendas, lo que no solo resta más credibilidad sino que mata la lógica interna; ¿cómo mierda hace uno para saber que si conservás comida te morís por suba de temperatura? Y peor, ¿cómo es que esto no afecta a los de los pisos limítrofes si hay un agujero de como 4 metros? Yo sé que el chiste es que el sistema sea corrupto, pero una cosa es que lo sea para sacar una analogía lógica y otra muy diferente es que lo sea para que dicha analogía pueda ser siquiera válida, y esto le afecta al realismo.

Todos los personajes que conocemos son representaciones vagas de la ya mencionada corrupción que hay en esta cárcel, unos actúan como chamanes raros con complejos de asesino misterioso, otros son completos hijos de puta sin un gramo de humanidad y otros son víctimas que no merecen sufrir lo que sufren; como ven solo hay estereotipos vacíos, todo para que Goreng se vea más como un salvador iluminado que está dispuesto a impartir justicia con cosas como aliarse con un negro bonachón cuya única característica es ser un bonachón sufrido usando como armas los fierros de las camas. Lo que impresiona de todo el procedimiento no es exactamente la idea sino el cómo, hace alzar la ceja el hecho de que nunca nadie haya hecho algo parecido, o más bien que Goreng sea el primero de todos en ser así de opositor.

La existencia de la niña como un simbolismo es ambigua puesto que difícilmente podrá conmover a las fuerzas superiores siendo estas tan desconsideradas en su indirecta presentación, haciendo que ella y la panna cotta pierdan ese carácter de esperanza y humanidad que se les intenta dar. En un sentido literal le saca el sentido a la mortalidad del sitio puesto que se te deja en claro que nació en el hoyo y se crió en este con todo el peligro de pasar probables meses sin comer. De todos modos es el menor de los problemas por este lado, el protagonista come carne en dudoso estado de otros compañeros y nunca le pasa nada, así como el hecho de que su camino está constantemente propulsado por salvadas de último momento o discursos raros para validarlo en su querer que a veces vienen de visiones aleatorias u otras de personajes de un solo punto como aquel señor en silla de ruedas.

Ningún drama por separado como por ejemplo el de la mujer con cáncer o el de la que busca a su hija me van a afectar, no solo porque les falta indagación o desarrollo, también por su falta de importancia para la resolución de las cosas, porque al final es solo Goreng el que llevará todo adelante y estos asuntos quedan en un segundo plano y ni te acordás cuando llega el clímax. Es una pésima acumulación de comentarios acerca del contexto que al final por su naturaleza desencadenan en una trama desastrosa que no sabe a qué quiere llevar, y lo que sí está marcado se desarrolla como el orto.

Algo parecido se da con sus alegorías de Don Quijote o la Biblia, detalles que se remarcan por algún motivo como si al final fueran a ser de importancia, hay interpretaciones de que el hoyo es en realidad el infierno de Dante pero incluso con eso no veo en cómo se podrían reforzar los temas teniéndolo en cuenta, solo sería sobre la degradación del lugar y no de las implicaciones, lo volvería más simplista y más pretencioso si fuera el caso, así que ni por ahí hay salida.

Claro, su dirección vuelve único el modo a seguir que te marca la trama, y su tono tiene su parte edge pero no se densifica en momentos que no quedan, y por lo menos visualmente se ve bien y se nota el enorme curro en producción. Puedo hablar bien incluso del carisma de algunos personajes que te hacen querer verlos más en pantalla, cosa rara de decir en una de estas películas, pero toda la aniquilación de la trama viene en cómo trata de hacer que su tema calce haciéndose más retardada en el proceso, terminando con un final idealizado en donde los salvadores hacen todo para que la situación mejore mientras la malvada estirpe egoísta no se deja, al menos destaco que no todos se reduzcan a un mismo grupo, pero el supuesto paralelismo que se quiere establecer con las clases sociales no tiene ni pies ni cabeza si consideramos esto es una cárcel y que la corrupción no importa si tu posición es manejada aleatoriamente y de todos modos el sistema te quiere matar.

Es diferente a la usual distopía turbia con conceptos planos, pero los platos que rompe para efectuar su base temática no tiene pies ni cabeza, si hubiera sido más acción como el último cuarto quizás ni me gastaría tanto en detallar qué cosas la hacen quebrar.

3/10

Los noventas fueron el boom definitivo de la inclusión queer en el cine. La mayoría cree que los dosmiles tuvieron la mayor parte de la torta en estos temas, pero lo cierto es que esta época solo remató lo que se venía construyendo, más en Estados Unidos, un lugar en donde el conservadurismo siempre se mostró en ‘’batalla’’ con muchas cosas. Y acá un referente del que no mucho se menciona hoy en día.

Philadelphia en un inicio se presenta como la vida cayéndole arriba a un homosexual por sus múltiples descuidos en lo que sería lo que le entra por el esfínter (el ojete para los amigos), más se refuerza esto con la aparición de este abogado interpretado por Denzel Washington, quien es puesto como alguien firme en sus ideas contra esta corriente sexual.

Lo que queda claro es que en efecto la película busca ilustrarte cómo un fuerte discriminador de estas minorías puede cambiar y volverse más afín con su causa a la hora de conocerlos, dándose la ocasión cuando se mete a defender el caso de Andy, un hombre que fue despedido por su empresa al revelar que se fue diagnosticado con SIDA. Esto sirve para que el abogado cada vez vaya tomando más y más consciencia de lo que sufren estos colectivos, y si bien no deja de tenerle desprecio a estas personas (se confirma en parte su punto de que varios son chamuyeros y mal pensados) del todo, está claro que el punto es darte a entender que no todos son igual de degenerados, y que muchos empresarios o dueños de este tipo de corporaciones suelen ser unos soretes en lo básico, unos corruptos y de métodos sucios a final de cuentas, incluso si no todos son tan desalmados.

El desarrollo está ahí, y la actuación destaca por lo bien que la dinámica se establece, pero es que fuera de los dos personajes principales poco más podés decir. Especialmente los que son puestos como los antagonistas son homofóbicos unidimensionales que ríen malvadamente cuando hacen chistes de putos, y ya el resto del cast es reducido a o un apoyo hacia este bando plano o al bando de Andy el cual siempre tiene este tinte de humanidad y solidaridad, más o menos como es pintada la izquierda al día de hoy. El empresario es malo y el que lo banca es un cornudo, y el trabajador siempre tiene la razón, es un caso hecho para que al final te sientas mal por el protagonista incluso si termina siendo una bolsa de enfermedades venéreas que va por ahí llorando o lamentándose.

Seguro que el abogado funge como un punto intermediario entre los homofóbicos malévolos y el colectivo queer, pero el error está en esta falsa dicotomía impuesta por el guion. Los empresarios parecen tener la ventaja ante la visión de la sociedad, pero la película hace todo su esfuerzo directivo para que te parezcan las peores lacras posibles, es moralmente imposible verles algo de humanidad, es por esto que por más que me guste el lado judicial de la cinta, siendo llevado de forma paulatina y dramática, no podés ver un punto más allá del que se hace con el desarrollo de este abogado.

Para rematar la discusión que se intenta poner en la mesa con la trama está mal llevada y es hasta engañosa en ocasiones. Andy es un chico que por haberse descuidado sexualmente termina en la miseria absoluta y su alrededor solo puede o discriminarlo o apoyarlo, nunca hay un conflicto interno acerca de el rumbo que tomó en su vida, y se justifica hasta el final su sexualidad retorcida y que en efecto él es una víctima. Nada de ver la vida de forma diferente ahora que estás al borde de la muerte o de empezar a valorar tus relaciones de otro modo, el hedonismo del protagonista parece ser algo que nunca es explorado por el hecho de que no le sirve a la narrativa de la película; que sí, que hay homosexuales que no son realmente malas personas y pueden darme igual siempre que lleven una vida acorde o no molesten con sus actitudes, pero no se puede plantear una discusión sobre cómo debemos verlos si el caso que me das está manoseado a conveniencia para que Andy me caiga bien solo porque no molestaba a nadie.

Comparame esto con Dallas Buyers Club, en donde Rayon tiene un drama con su padre y su pasado le es cuestionado por los demás personajes, no son solo las consecuencias físicas lo que se le deben mostrar al personaje sino las emocionales y psicológicas, que son las que más importan. Rayon en DBC vivía condicionado mentalmente y lo disfrazaba con una actitud que no reflejaba su verdadero estado emocional, Andy acá es un tipo reprimido y triste porque se agarró SIDA, perfectamente pudo no darle nada y su vida podía seguir tal cual estaba sin que hayan cuestiones acerca de su sexualidad.

De hecho no hay nada de profundidad en qué tan beneficiado puede ser el dúo principal por el sistema judicial o el médico, simplemente porque el foco de la trama es siempre el mismo: tratar de dar al típico hombre conservador de los 90’s una imagen de que los homosexuales pueden convivir con nosotros sin problemas sin importar sus desviaciones que los llevan a enfermarse, en pocas palabras es la narrativa de ‘’y a vos en qué te afecta’’ antes de las banderitas verdes o los malandras fumando porro (por suerte aún en esa época no nos habíamos ido tan al carajo).

Es gracioso que en la película te intentan demostrar que todos los inteligentes se sienten mal siendo discriminatorios, como si fuera imposible sentir rechazo hacia estos colectivos sin ser un burro cabeza de pija, es mucho menos sutil de lo que parece, ni siquiera hay mucho subtexto o una tensión mayor a que el tipo se muera antes de ganar el juicio, cosa que es tomada en serio más que nada en el tercer acto, y como mencioné anteriormente hasta impide tener una stake o preocupación más allá de lo físico, el drama es bien simplón, de A a B, ganar un juicio contra empresarios maliciosos antes de que nuestro copo de nieve se muera por haber entregado la rosca en un boliche, sin nada de confrontación honesta o temas ingeniosos que vayan más allá del comentario quemado.

Al menos no es tan mala, podría sencillamente ser como las porquerías que hacen hoy en día que son victimismo y porno-tortura sin más punto que venderte una agenda, Philadelphia como mínimo te propone más perspectivas a desarrollar, hay una evolución constante de los acontecimientos y tenés de qué preocuparte, siendo más realista que tu drama social gay promedio en donde la promiscuidad es romantizada. La valoro más por eso que por el debate deshonesto que intenta establecer, sinceramente.

4/10

En una época en donde la gorra y el querer unirse a la policía es visto como algo infame y atrasado, nunca es mal momento para recordar porqué me gusta tanto RoboCop, considerada como la epítome del rule of cool ochentero y si bien puedo no estar de acuerdo con lo último, hay argumentos para respaldar dicha afirmación.

Como buena obra de Verhoeven nunca falta el aura intrusivamente épica en cada historia de ciencia ficción por más mundana y rutinaria que pueda parecer en un inicio, la película empieza de forma algo apresurada con el cómo Murphy es asesinado en sus comienzos como policía de forma brutal, es quizás algo que a más de uno puede no-gustarle, estos villanos mayormente unidimensionales lo acribillan sin piedad y casi ni lo conocíamos, pero es porque el guion pretende explorar al personaje más en su faceta de cyborg, dándole flashbacks y haciéndole recordar sentimientos que provocan un lindo contraste entre su lado frío y robótico y su pasado humano.

Por este lado creo que se hace un buen trabajo de indagación, le dan al protagonista un conflicto interno que siempre se siente natural ya que nunca lo ves llorando como un marica o siendo un asesino sin tacto todo el tiempo, el punto es recalcarte lo humano que sigue siendo y cómo algunas cosas pueden trascenderle teniendo las memorias que le quedaron. No es tan realista el hecho de que una organización policial lo haya creado con tanto funcionamiento neuronal sabiendo los riesgos que implica, pero me parece correctamente trabajado.

A esto viene algo que me encanta que se haga con esto y es el comentario general de la película. No es ningún secreto que a Verhoeven le encantan los temas de transhumanismo, la tecnología pudiendo volverse en nuestra contra o las distintas formas que hay para darle uso; la misma humanización de RoboCop está para dejar en claro cómo los científicos se pueden ir tan a la mierda como para arriesgar el jugar con la vida de una persona. Incluso se muestran diferentes opiniones acerca de si RoboCop debe ser aceptado o rechazado en el departamento de policía, se cuestiona su brutalidad y su código tan firme y recto, nada muy profundizado pero ahí está.

De hecho, y esto es algo que no muchos quieren aceptar, RoboCop fue hecha originalmente como una crítica a las políticas ‘’neo-liberales’’ de la época y una mofa a pensamientos como los de Ronald Reagan, así como lo escuchan, y dicho por el mismo Verhoeven. A varios les cuesta imaginarse cómo extrapolar todo esto a dicho contexto, pero si nos ponemos a ver las motivaciones avaras del villano y el cómo juega hasta con su propio bando liquidando gente adicta o manipulando con el versito del avance social, aaaalgo de sentido tiene.

Inclusive vemos en Murphy una conclusión de volverse a aceptar como persona, reaprendiendo valores como el compañerismo y hasta pudiendo llevar la contra a su algoritmo de a quiénes llevar en cana, las misiones están conectadas y cada combate lleva a otro descubrimiento en la trama para el espectador o para los personajes, que dirige de forma frenética a una batalla final épica y tensa.

La reacción social ante tanta tecnología en un mundo como este está presente, las secuencias del noticiero y los civiles neutros que vamos viendo son una representación útil a saber de cómo es que se vive en un setting con tantas cosas y tanto impacto, que no siempre es para el goce de la gente sino que la violencia es algo a tener en cuenta y a irse con cuidado. Y no es como si RoboCop nunca pase peligro ya que hasta se presentan armas y máquinas capaces de causar muerte a su metálico cuerpo.

Lo que define completamente su estilo es su memorable dirección, en la que los combates se definen con un uso de planos cerrados y personales entre tanto disparo, el objetivo del instante nunca comparte plano con el protagonista hasta que la pelea está en su culminación, lo que agrega a la sensación de tensión y peligrosidad, ya que el cambio es constante y veloz hasta dicho momento cúlmine en el que la pelea se define, lo que te hace ver a cada una como importante a su manera. Obviamente hay lo de siempre en las action flicks de este director: una coloración generalmente ‘’metalizada’’ en plateados o azules oscuros, que contrasta de maravilla con todas las luces y efectos apantallantes y bombásticos que representan las herramientas de este futuro, me gusta que no sea todo súper colorido a cada momento y se pueda sentir más especial lo característico del escenario.

¿Y ese soundtrack? Pfff, nunca vas a sentirte tan excitado viendo a un cyborg con la movilidad de un playmobil cagándose a tiros con matones random si tenés esa exquisitez de fondo. De hecho un error directivo que le encuentro es justamente dejar en un muy alto volumen los efectos de explosiones o tiros ya que no te deja gozar del OST en todo su esplendor, supongo que son detalles.

Y ojo, no es que la película no sea tonta siendo mayormente espectáculo basado en el estilo, hay muchas cuestiones que son en esencia una ridiculez; en el inicio literalmente acribillan a un ejecutivo en la oficina y nadie dice un carajo, RoboCop se salva del Ed-209 por un mero golpe de suerte, su relación con el resto de personajes es bastante sencilla y no pasa de puntos en su arco, así como que su pasado con el hombre que lo asesinó no se internaliza tanto desde lo personal más allá de la revancha que tienen.

El setting no es precisamente aprovechado para dar paso a un drama realmente complejo, el dichoso villano es esencialmente un concepto vago que podría aplicarse a cualquier otra época en la historia sin sentirse tan único, y lo mismo podría decirse de los aliados policías o la vida que llevó Murphy siendo humano; todo es reducido a lo temático y a la atmósfera, hecho magníficamente, sí, pero poco explorado en comparación a muchas otras obras del mismo género.

Al final del día tenés acción honesta, no necesita filosofar o discursear con conceptos que le quedan grandes, tiene su arco de personaje piola y unos comentarios chiquititos regados por ahí, con un legado que hasta el día de hoy sigue siendo relevante dentro del género. Es de cuando el cine era tenido en cuenta y el entretenimiento tenía depuración y acentuación en la masculinidad, con contenido que no se rebajaba a ser lloriqueo retardado. Aún hay de dónde aprender.