Reviews by El Zumbador

Algo como The Shawshank Redemption en tiempos actuales tiene claros motivos de ser puesto como cine de calidad, mucho más en regiones como Latinoamérica, y no es muy difícil deducir el por qué: trata de presos siendo puestos como los buenos de la historia, como gente a la que debés comprender y, por ende, gente cuyas vidas vale tanto como la nuestra, la de la gente normal.

A lo largo de la historia siempre han habido diversos contextos bélicos que han inspirado numerosas cantidades de obras ya sea romantizando bandos según su conveniencia o criticando los aspectos de la guerra que más sonaban en los corazones de la población, y acá tenemos ese mismo caso pero llevado a la actualidad.

Jarhead toma la visión crítica de la guerra moderna, agarrando el contexto de la guerra del Golfo de la mano de un director que, seré sincero, nunca me cautivó, pero que al menos no exagera en la presentación del escenario de esta película.

La historia comienza presentando a Anthony Swofford, un joven que se sumó al servicio militar al no tener realmente muchas cosas de qué enorgullecerse en la vida y que, en el ejército, ve la oportunidad de destacarse queriendo salir a hacer algo de lo que estaba seguro que no podría fallar: combatir con armas de fuego. Es acá en donde se genera el hilo principal de la trama siendo Swofford alguien quien de tanto idealizar la guerra como algo ‘’épico y cool’’ termina cayendo persuadido, teniendo que afrontar la amarga realidad al entrar verdaderamente en las situaciones de guerra.

Claro que esta idealización no sale de la nada, la película muestra cómo los entes de alto mando o directamente los medios venden a la guerra moderna como algo que cualquier chico soñaría en su vida, y si hay una característica en estos muchachos es específicamente su falta de propósito, siendo todos muy como Swofford, representando este último al soldado promedio, haciéndole pasar la película por todas las vivencias y situaciones particulares que en este se dan. Vemos en él la decepción y frustración de un soldado al sentir que desperdició su tiempo al nunca poder siquiera disparar un arma contra alguien, y teniendo que pasar por cosas que, de lo comunes que son, provocan un sentimiento de humillación en el personaje, puesto que él esperaba ser una fundamental pieza en el ataque y defensa de su bando, y no una simple herramienta a la que ponen esperando y esperando para usarla cuando convenga.

Los soldados deben tanto afrontar la falta de diversión en un lugar tan seco y alejado de la civilización como cualquier calentura o urgir de apetito sexual allí mismo, a veces sin soportarse entre ellos teniendo disputas o pleitos, y lo que parecía para el protagonista un lugar en donde finalmente encontraría un grupo al cual pertenecer y con ello sentirse lleno, terminó siendo un infierno en donde debe convivir con desconocidos que le tocan las bolas, alejado de su familia y de su novia la cual lo termina por dejar al ser tanto el tiempo en separación.

El sargento puede significar ya un contraste con esta visión, ya que es él la voz de la experiencia, en la que notamos lo que de verdad significa salir a combatir, y por qué gente como Swofford es aún inmadura en entender lo que en realidad significan estos conflictos, lo que lo hace tener un cuestionamiento al interactuar con Sykes acerca de qué está haciendo allí y qué es lo que lo lleva a estar en ese lugar.

Lo mejor de la película es esta parte en la que los soldados finalmente terminan cayendo en la desesperación de no poder alcanzar la satisfacción que esperaban con la guerra al no ser el épico enfrentamiento que esperaban, y luego de estar tanto tiempo viviendo de forma vacía en una constante lucha contra la monotonía, el cambio que sufre nuestro protagonista se hace bastante notorio, presentando así lo tocado que le dejó aquella experiencia al final de la película.

Con todo lo dicho la cinematografía aporta a muy buen modo. La coloración seca de los escenarios ayuda a pintarlos como aburridos y poco interesantes, e incluso el cómo las tomas lo hacen ver lo dejan como estresante, cosa que hace entender la constante búsqueda de los personajes por nuevas actividades. La música es bien básica pero al menos en momentos como en los que muestran los castigos por parte de los sargentos la película sabe quedarse callada en este aspecto, y todo sumado a actuaciones que dan la talla y tienen a Jake Gyllenhaal protagonizando, sinónimo de personaje canchero.

El drama y la tragedia quizás no sean de sus puntos más fuertes, y es que si bien se deja en claro lo que le puede pasar a los personajes, no es como que esto pase en primer lugar, y no hay cosas tan fuertes que sucedan durante una gran parte de la película. No es como en Das Boot, en donde los personajes están constantemente acechados por el enemigo y hasta se ven a la deriva y sin esperanzas dentro de ellos la mayor parte del tiempo, y en su lugar la película prefiere irse por un lado más ‘light’ sin optar mucho por la tensión.

Otro problema que podría encontrarle viene por los personajes, y es que si bien no solamente podríamos destacar como bueno al protagonista puesto que Sykes también mantiene cierto trasfondo y motivos para indagar, el resto nunca está realmente explorado teniendo tanto tiempo en pantalla y relevancia sobre la historia, es un cast que sirve más que nada para ser funcional y ya, lo que termina traduciéndose a simples puntos para detallar el setting. No son tan simples puesto que algo siempre vamos a saber de cada uno, pero realmente no poseen algo que los vuelva empatizables o siquiera carismáticos al conocer cómo es la conducta de varios de ellos.

Tampoco es que la obra se abra a muchas cuestiones bélicas como los dilemas morales, la consecuencias psicológicas, el sufrimiento del hombre al lidiar con su propia naturaleza o el sentido de pelear; es débil al intentar hacer preguntas sobre la necesidad de los muchachos de salir al campo de batalla, por lo que es evidente que terminará sí o sí un escalón más abajo.

A lo anterior también viene conectado el no proponer diferentes problemáticas con las preocupaciones personales de los personajes, cosa que Platoon 18 años antes supo manejar excelentemente al tenerlos con distintas agendas y formas de reaccionar en medio de todo el mambo en el que estaban metidos, humanizando más el contexto, y lamentablemente esta película lo pasa algo por alto al poner al cast como si sus necesidades fueran exactamente las mismas, sin tomar en cuenta de qué contexto vienen o cuál es su nivel de honor.

Así que bien, no es un producto perfecto después de todo, pero tampoco es que desagrade su existencia. Tira inteligentes críticas al contexto de la guerra que quieras o no son acertadas y necesarias de saber para la gente, elabora en un personaje realista y entendible, posee una dirección aceptable y ni es tan larga. Por todo esto, si lo que buscás una historia bélica sólida y bien desarrollada o simplemente querés ver a un Jake Gyllenhaal yendo a la guerra y siendo cuckeado estarías yendo por el lugar correcto. Nada más para decir.

7/10

Monster es un ejemplo de cómo un producto famoso o ‘’mainstream’’ puede resultar ser realmente algo que valga la pena de consumir. Mi comentario viene a que los espectadores exigentes, por lo general, tenemos una visión de tu típica serie conocida que resulta ser una simple pérdida de tiempo más del montón con personajes aburridos, melodramas forzados, trama simple, y mensajes fáciles de digerir o hasta negativos en algunos casos.
Milagrosamente este no es el caso, y puedo declarar con absoluta seguridad que Monster se lleva uno de los más grandes aplausos a la hora de hablar de productos con un alto estatus en la cultura pop.
Su apartado técnico resulta efectivo.
La dirección se suele valer de ciertos movimientos y ángulos de diferentes tipos para dar a entender cierta perspectiva de algún personaje en cierto momento o para transmitir esa aura terrorífica y muchas veces de pánico con la que la serie usualmente se quiere presentar.
Lo mismo podría decir de lo sonoro, en donde, dependiendo de la escena, puede valerse de una entonada ‘tranquila’ pero agobiante y simple pero inquietante para representar los estados mentales de los personajes o el aura de algún momento u otro, o de una alegre e inocente dando entender lo mismo. Existen también estos abruptos cambios de música para plasmar notablemente el impacto o el significado del momento en cuestión en el espectador.
Algo muy interesante que también tiene la serie en más de una ocasión dentro de lo que respecta a la dirección es este uso del acercamiento con zoom hacia atrás a lo Hitchcock para denotar un advenimiento importante en tal o tal personaje dando a entender su estado emocional, siendo generalmente usado para plasmar un sentimiento de desesperación, culpa, intriga, miedo, o derivados.
Sobre lo escrito se ha dicho demasiado.
Monster es una constante lucha contra la insanidad, la desesperación, los miedos propios, y la decadencia mental en general. No es como que esto que les nombro sea pura tortura psicológica sin propósito, y por el contrario, todo lo que desarrolla la serie es aprovechado para hacer un punto y ciertamente se hace difícil encontrarle elementos fuera de lugar o que no cuadren con el significado de la serie y sus simbolismos.
Los personajes principales tienen sus arcos que dan a entender de manera perfecta el punto que hacen en la historia, aportando genialmente al mensaje de la obra.
Tenma pasa la serie entera siendo cuestionado moralmente, siéndole puesta su moral acerca de la vida y la muerte en juego en múltiples ocasiones, teniendo una crisis acerca de lo que ha creído todo este tiempo, acerca de la visión que tenía sobre las oportunidades para las personas, sobre el valor de la vida de cada individuo y el sobreponer una sobre la otra. El tema de ‘’¿Te convertirías en igual de miserable que un asesino al pagarle con lo mismo?’’ es muy bien tocado y jamás cae en estupideces infantiles de perdonarlos a todos, sino que la reflexión que invita a hacer la serie es más profunda siendo que todas las perspectivas presentadas al respecto son puestas en tela de juicio en más de una ocasión. También vemos cómo el protagonista debe contrastar lo que significa el salvar una vida y lo que significa el quitarla, haciendo que el arco del personaje se vuelva el doble de interesante al ser también explorado su trasfondo al mismo tiempo en el que su personalidad e ideas son lo suficientemente bien pronunciadas para tener un resultado más que satisfactorio.
Todas las subtramas de la serie van por lo mismo, estando perfectamente hiladas para dar como resultado un exquisito estudio temático al que le podrá faltar todo menos variación y profundidad.
Anna con su memoria y el cambio de rumbo que tomó su vida, y el cómo debe afrontar sus terrores más profundos dándose cuenta de muchas verdades que poco a poco la van haciendo cada vez más y más diferente a la mujer que en un inicio vimos; Eva y el qué tan bajo puede pudrirse una persona por los pesares del pasado, y el cómo muchas veces la vida no nos da lo que queremos, teniendo un descontrol enorme debido a lo mucho que le tocó su ruptura con Tenma; Grimmer teniendo una introspección tal que podemos comprenderle demasiado al sernos presentados los porqués y los cómos de su problemática vida, con unas profundas reflexiones acerca de los valores de un hombre que podría conmover a cualquiera; Johan y una filosofía que ciertamente se hace interesante de apreciar conforme la historia avanza, sin nada muy obvio pero sin llegar al punto de ser algo extremadamente ambiguo; Schuwald y el interesante drama que se arma con él y su hijo; Lunge y su aparente pérdida de humanidad; y para no alargarme demasiado, diré que la serie consigue hacer que hasta personajes como Suk, Roberto, Jaromír, o incluso El Bebé, tengan sus momentos de brillar, su propia profundización, y claro, su granito de arena que aportar al mensaje y a los temas tratados.
Eso último que mencioné viene con algo que ciertamente puedo decir que destaco de Monster y que a la vez no podría decir de casi ninguna otra obra: el cómo todos los detalles en los que la historia hace algo de hincapié en algún u otro punto de su duración, tienen una manera diferente de aportar a la narrativa, ya sea con el comentario que se da con el asunto de la conspiración relacionada al Kindenheim 511, con el cómo una persona puede perder su humanidad de diversas formas, con la lucha contra sí mismo que uno debe estar dispuesto a afrontar para lograr sus objetivos, y cómo no, con el mensaje principal y a lo que pretende llevar todo el hilo narrativo de la serie: el cómo todos nosotros, independientemente de lo complicado que sea de liberar para cada uno, llevamos un ‘’monstruo’’ dentro, una parte oscura, y lo que el anime intenta probarte, es que todos tenemos ese detalle, ese recuerdo, ese trauma, esa herida, esa piedra angular que, de ser quitada, puede hacer que saquemos lo peor de nosotros. La idea del ‘’monstruo interno’’ es aprovechada también para dar a entender cómo es que una persona puede ser manipulada al liberar lo peor de sí, habiendo en la serie gente dedicada a aprovecharse de que nadie es realmente puro para conseguir sus objetivos. Una jugada bastante ingeniosa.
Claro está que la serie, durando 74 capítulos, es bastante holística con todo lo que muestra teniendo en cuenta que todo lo que mencioné va hacia un mismo lugar y afortunadamente nada queda incompleto.
Aunque la serie tenga demasiado para contar en toda su duración, siento que pudo perfectamente disminuirse a menos capítulos, y más si tomamos el hecho de que Monster no cuenta algo más trascendente como sí llegan a contar otras obras, y con una mejor distribución de tiempo podría al menos calificar como algo que valga más la pena de ver.
No me molesta que algunos personajes solo hagan puntos sencillos para expandir detallar el escenario, total, no es muy necesario que digamos al tener apariciones cortas, pero mi problema radica ahí mismo, que algunos personajes hacen puntos importantes pero demasiado simples como para justificar el tiempo que se les da en pantalla. Qué mejor ejemplo que Dieter, quien fuera de un pequeño puñadito de capítulos, no guarda mucha relevancia temáticamente hablando. O por dar otro: incluso el asunto con Franz Bonaparta es demasiado reiterado como para que después no tengamos casi nada de él realmente a nivel individual.
No creo que la serie, en todos sus capítulos de más, no esté contando nada (como en Tomorrow’s Joe…) o te esté tirando información innecesaria (como en Lawrence of Arabia…), solo es que se vuelve redundante, y la verdad es que no podría excusar el ritmo lento acá, cosa que sí ocurriría si la serie durara unos, qué sé yo, ¿50 capítulos? Mi punto se entiende.
Las cosas que es capaz de hacer Johan te dejan con una expectativa de que se terminarán explicando tarde o temprano, pero Urasawa no se molesta en darte a entender no el cómo (lo cual es, hasta cierto punto, discutible), sino el cuándo el antagonista consiguió hacer lo que hizo y a esa velocidad. Entiendo totalmente que el punto no es ese, pero juega un poco con tu percepción de las cosas haciendo que puedas alzar una ceja en más de una ocasión distrayéndote de lo importante incluso.
El final es otra cosa que no me resulta de buen gusto. Las cosas no solo ocurren de una forma extrañamente veloz, sino que la resolución por sí misma me parece un desastre; de todas las soluciones posibles, ¿en serio un borracho del que nos enteramos de su existencia hace apenas unos pocos capítulos fue el que terminó disparando a Johan? Entiendo el punto que se quiso transmitir pero todo sucede tan deprisa que no termina por dar el impacto suficiente ni su significado se siente tanto como seguramente se sintió en la cabeza del escritor.
No olvidar tampoco que el asunto político es algo que, si bien sirve para detallar el mundo, no tiene tanta profundización para lo mucho que es mencionado en diálogo. Agréguenle a eso que los supuestos nazis que vemos a lo largo de la serie son muy poco interesantes y lo que se nos dice de ellos respecto a su lado ideológico da una impresión muy floja a decir verdad.
Me podrías argumentar que el que la serie se vuelva densa y, por momentos, aburrida para algunos, se deberá a que la narrativa es bastante compleja y se toma su tiempo para ahondar en lo necesario. Pero incluso en esas, y de hecho quitando lo que ya dije, no puedo negar el hecho de que Monster se pone algo ‘rutinaria’ con mostrarnos al protagonista yendo de un lado hacia otro sin que muchos eventos de peso estén sucediendo en medio.
Pero aún con todo lo que le juega en su contra, Monster es un anime que consigue consolidarse como uno de los mejores que haya visto. Llena diálogos profundos, momentos memorables, confrontaciones morales, dramas psicológicos, personajes depurados, y una labor técnica bastante aceptable, esta serie merece mi visto bueno.

8/10

‘’Desde el cielo hasta el infierno’’: la frase perfecta para definir el punto de Casino, el cual parece simple pero de hecho se extiende a unas cuantas cuestiones más que pocas veces vemos en los filmes sobre mafia y crimen.
Martin Scorsese acá pretendió hacer lo mismo que con Goodfellas, lo que sería llevar a los personajes a la misma miseria mental, y que el cambio sea evidente y deje su lección bien clara. Bueno, ¿qué les digo? Casino no es como Goodfellas, ya que no hay muchas implicaciones escapistas o indirectas a la sociedad que sí veíamos en esta última, lo que la pone uno que otro escalón más abajo, pero honestamente no podría verla como mala por esto, y a decir verdad, la película sí que explora más allá de lo que vemos en cosas del género.
La historia comienza presentándonos a Sam Rothstein, un amarrete que se ganaba la vida a costa de sacar ventajas de apuestas deportivas, y que tiene un casino en donde apreciamos a detalle cómo era que funcionaban las políticas de aquellos lugares, como el hacer todo tipo de jugada sucia hecha para que los clientes no ganen o para que la casa se lleve la mayor parte del dinero. Es en esta parte en donde podemos ver la crítica evidente que hace la película hacia las casas de apuestas y mostrarnos el increíble alcance que tienen este tipo de negocios con dueños de raíces italianas o judías, cómo todo está manejado por grupos pequeños que a la vez tienen una fuerte influencia sobre todo el país y que, en caso de peligrar su poder, serían capaces de matarte sin importar la confianza que en algún momento te hayan tenido o el tiempo que lleves con ellos. Pero esto es solo la punta del iceberg.
La construcción de mundo es de lo más destacable, mostrando todo un sistema de finanzas, lavados de dinero, agentes encargados para eliminar todo rastro de sospecha, un sistema jerárquico que se basa en la longevidad, especialización y sobre todo raíces, todo un método en el que funcionan los casinos y cómo es que mantienen/generan dinero así como el cómo lo trasladan de un estado a otro, distintas maneras de escapar de las consecuencias legales (teniendo de ejemplo a Nicky y el restaurante que montó con su hermano), pleitos y disputas que se suelen dar dentro de todo este entorno por culpa de los distintos intereses de sus integrantes, el modo en el que varios personajes llegaron a donde llegaron, y un larguísimo etcétera que indudablemente, compone uno de los escenarios más detallados y completos que he visto en el cine en general. Al final apreciamos igualmente cómo todo se termina desfigurando y cómo Ace cuenta lo decepcionado que está con esta nueva forma de organizar los casinos, enseñándonos cómo el protagonista opta por lo que ofrecía el sector privado incluso a sabiendas de todo lo que arrastraba.
También está bueno el cómo todo el ambiente de los mafiosos en un inicio es bastante glorificado por los personajes al escuchar su narración, ya que podemos notar perfectamente la transformación de su estado mental a medida que avanza todo el hilo de la trama, trama en la cual, siempre están sucediendo cosas a un ritmo bastante frenético, por lo que el impacto psicológico de los eventos en los personajes se puede notar de maravilla tomando en cuenta la evolución de su forma de contar las cosas a la audiencia.
Ace no parece una buena persona al conocerlo a fondo, ya que si bien no actúa sucio y en diferentes circunstancias le vemos cierta ética al trabajar y comparar su forma de tomarse las cosas con la de Nicky, está claro que todo el tiempo gustó de pertenecer a estos grupos sucios, siendo consciente de en qué estaba metido. En la línea del final esto se aprecia genialmente, ya que notamos claramente cómo es que nunca se arrepintió de haber pasado por todo ello y, a diferencia de lo que cualquiera pensaría, siguió con el asunto de las apuestas a pesar de haberse dado cuenta de todo lo que hay detrás.
Nicky es lo contrario, ya que al indagarlo no parece un mal tipo, siendo un lunático y enfermito con sus métodos para trabajar, cual Tommy en Goodfellas, pero con un lado sensible que se preocupa por los de su alrededor y a los que aprecia como su hijo o su hermano, buscando siempre lo mejor para los demás y no siendo un egoísta hijo de puta todo el tiempo. Aunque bueno, todos sabemos a dónde lo llevó su actitud y el simple hecho de involucrarse con toda esta gente podrida, lo cual también sirve para enseñar que no importa que tan bonachón puedas ser en este mundo, siendo que una vez caés en el pozo ya no hay forma de escapar.
Ginger es algo de los dos anteriores, pero con cierto comentario importante que normalmente la gente pasa por alto, y es el cómo muestra lo perras que llegan a ser las mujeres a causa del materialismo. Ginger es una representación de cómo una mujer se puede deteriorar psicológicamente cuando se deja llevar por su hipergamia. La mina termina por engañar a Ace con su mejor amigo de lo vacía que se sentía al ser llevada más que nada por la avaricia, sumado a lo desesperada que la tenía el que las cosas comiencen a marchar mal, trayendo con eso unos cuantos problemas al protagonista (y en parte a Nicky). Lo valoro debido a que no solo enseña a tener cuidado cuando el éxito viene para uno, siendo las mujeres así; también da una enseñanza fuerte a las chicas de no dejarse llevar por sus deseos egoístas ya que pueden acabar muy dañadas.
Al final es la motivación de los personajes lo que los termina hundiendo, tanto por el hecho de que acaban por morirse como en su aspecto psicológico, ya que la presión es casi imposible de soportar para ellos, no solo por mantenerse en un estatus y un puesto en una jerarquía siendo que todo lo que en algún momento tuviste se te fue de repente de las manos como si de agua se tratase, sino por todo este contraste que se genera, teniendo por un lado el sentirse como el amo sobre la tierra, estar en cielo, tener todo tipo de placer al alcance de tu mano y poder controlar casi que cualquier cosa a tu antojo; y por el otro la realidad, los problemas y consecuencias que todo eso conlleva, y cómo la gente con tanto poder acaba por corromperse a un punto aterrador al carecer de muchos límites, en el que llegan a niveles en los que se nota la enorme desesperación por mantener las cosas bien y dejar todo en el estatus quo.
¿Todo esto les suena a Goodfellas verdad? Bueno, eso es precisamente porque no solo son del mismo director, sino que hasta son escritos por la misma persona, y las historias de ambas películas provienen de libros biográficos del mismo autor. El caso es que Goodfellas ejecuta todo lo anterior mencionado pero de una mejor manera, haciendo del arco de su protagonista mucho más profundo y con una evolución más multifacética, siendo las reflexiones proporcionadas muchísimo más variadas y un tanto más complejas por cómo se tocaron.
El apartado técnico quizás es lo único en lo que rivaliza con su hermana, ya que posee unos movimientos de cámara bastante ágiles, dando el efecto de que no hay cortes en los momentos en que va de un lado a otro, proporcionando una experiencia visual muy agradable. Por otro lado está la iluminación, que se usa para dar más sentimiento a los momentos y no solo eso, sino que hasta hace notar, en las escenas en las que vemos a los jerarcas, cuál es el que está a la cabeza a la hora de apuntar con la luz hacia sus manos, dando esa sensación de imponencia ante el resto. Luego las actuaciones son espectaculares, con un elenco muy profesional entre los que tenemos nombres como Robert De Niro, Joe Pesci, Sharon Stone, Donald Rickles o Frank Vincent. La música tiene una buena elección de temas, siempre haciendo llevaderos a los momentos en los que son puestos, sin que se sienta que se están excediendo en alguna instancia o poniendo canciones nada más por ponerlas (y sí, me gusta The House of the Rising Sun). La ambientación también la destaco, con un detalle en la escenografía y el vestuario que de verdad nos traslada a Las Vegas de aquellas épocas.
A ver, la película tiene problemas, entre ellos que los personajes estén contando todo en todo momento, habiendo instancias en los que no se callan y parecen maquinas de soltar información en lugar de personajes. La famosa frase del cine, ‘’Muestra, no cuentes’’, es rota en más de una ocasión, y ciertamente se pudo haber expuesto mucha de la información que se nos tira mostrándola en pantalla sin la necesidad de hacérnoslo a la cara con puras palabras.
Luego, el desarrollo de los personajes es mucho menos pronunciado en comparación a Goodfellas, teniendo tres principales que, si bien construyen un punto sólido a lo largo de las casi tres horas de metraje, son considerablemente menos interesantes en cuanto a sus dramas.
En la película del noventa teníamos a un protagonista que no se unía a la mafia solo porque le gustaba tener placeres y poder tener toda la pussy y lujos que desee, es decir, sí lo hacía por eso, pero también habían otros factores que lo impulsaban a meterse allí más allá de la avaricia, como la necesidad de pertenecer a un grupo y de poseer un algo con lo cual identificarse con otros sujetos en común al ser él un medio-irlandés viviendo en un típico barrio americano de clase media baja lleno de mafiosos manejados por cabecillas italianos y con un papá que lo golpeaba, obviamente buscaría una salida a todo eso y de paso un sentimiento de identidad colectiva que tanto le llamaba la atención y que a la vez es una búsqueda tan común en el ser humano. Y no solo eso, también teníamos un drama de él viviendo en un sitio en donde nunca nada interesante pasaba en relación a su vida y él lo que quería era salirse de la norma para ‘’escaparse’’ de su realidad que lo tiraba a ser un mediocre como el resto de trabajadores comunes, solo que en vez de saltarse el sistema esforzándose y siendo honesto, terminó yéndose por la vía idealizada de un mundo lleno de gente de mierda, lo que finalmente le cobraría factura tanto legal como psicológica. Es obvio que cuando comparamos la complejidad de la mentalidad del protagonista en Goodfellas con la de los tres personajes principales (juntos) de Casino y nos enteramos que esta última ni le toca los talones, la conclusión será que evidentemente una es muy superior a la otra por cuestión de aprovechar más lo que permitía su concepto a diferencia de la otra, y es por eso que se forma una enorme diferencia.
También tomemos lo siguiente: existen películas como Cidade de Deus o la ya mencionada Goodfellas que abordan de manera similar o hasta superior varios de los temas que vemos en Casino, y en mucho menos tiempo, lo que hace que le reste mérito el hecho de que dure tanto. Aún así no consideraría esto del todo un error, ya que tenemos un contexto diferente para cada historia después de todo, y como punto aparte preferiría una construcción de escenario que, aunque demore un poco, esté completa.
Dicho todo esto voy a señalar que sí, resalto a Casino por no irse por la vía de ‘’romantizar’’ el mundo de los criminales y, por el contrario, da un retrato muy realista y bastante bien documentado.
Me gustan tanto sus temas, como sus personajes, como su dirección, y si bien puede ser que se desvíe un poco en algunas instancias, no me resulta un enorme problema teniendo en cuenta que la película es muy larga y aún así supera con creces a otras cintas de Scorsese como The Departed o The Wolf of Wall Street.
Así que tienen mi aprobación para echarle un vistazo, porqué no, tiene un mensaje positivo y a pesar de su duración nunca se vuelve aburrida, personalmente recomendaría otro tipo de cosas, pero si estás como para verte un espectáculo visual de primer nivel, estás en tu derecho.

7/10

En 2005 Peter Jackson nos sorprendía a todos con una nueva película de King Kong, que resaltaba por la curiosidad de la gente a ver cómo se podría trasladar la historia del mítico rey de los simios a nuestros tiempos.
Diré que mientras la versión original de los años treinta se dirigía más que nada a impactar debido a lo innovador que era en aquel tiempo lo que se mostraba a nivel técnico, es decir, a entretener, la nueva versión está más dirigida a los personajes y a la forma en la que afrontaban las múltiples situaciones en las que se veían inmersos. Tal vez la película de los treinta presentaba qué pasaría si sacamos a un simio gigante de su hábitat natural para llevarlo a nuestro sitio (un bastante rebuscado mensaje anti-zoo’s para algunos, IDK), pero esta entrega da un poco más de tiempo a las interacciones y a los dramas que se presentan en la historia fuera de la acción que incumba a Kong.
Entre estos personajes realmente el único que de verdad podríamos decir que destaca y tiene un tema en sí es Carl Denham, principalmente por ser el más carismático y porque es su pasión obsesiva por el cine y su determinación que lo lleva a cometer literales crímenes lo que desata todo el hilo de la trama y mueve a casi todos los personajes a hacer lo que hacen y a tener una motivación. De hecho, casi todo a lo que aspiran el resto de personajes fuera de Carl, Jack y Ann viene directamente de las acciones y decisiones de Denham. El punto que se quiso hacer con su arco me pareció bueno con todo eso de caer en catástrofes enormes al llevar una pasión demasiado lejos, pero tengo mis problemas con esto, ya los explicaré más adelante.
Por otra parte, la dirección visual es bellísima, más que nada por los hermosos escenarios en los que nos sumerge la película, con toda esa biodiversidad y coloración que hace lucir tan vivo al lugar en el que se encuentran los personajes, y el cómo se contrasta a la Isla Calavera con el escenario citadino y sucio de Nueva York fue una buena jugada por parte del director.
El CGI, y a pesar de que hayan pasado ya casi 16 años, me sigue agradando y de hecho aún se ve asombroso, Kong se ve muy bien y el resto de animales e insectos lucen intimidantes pero a la vez espectaculares por el nivel de detalle puesto en sus diseños.
¿Y la música? Bueno, le va bien a las escenas, tanto en las de acción como en las que solo somos paseados por la cámara para admirar los bellos paisajes y la grandeza de ese misterioso y en cierto punto aterrador lugar. Lo mismo iría para las peleas; ¿la batalla contra los tiranosaurios? Muy épica. ¿La escena en la que se meten a un pozo lleno de insectos enormes? Muy incomodadora y desesperante, bien para que sintamos lo mismo que los personajes. Y sí, esas veces en las que vemos una especie de efecto de distorsión con cámara en mano en una situación de riesgo o de desesperación le queda muy bien a los momentos, no lo negaré. La película es un mar de tensión, y la dirección de Peter Jackson hace sentir todo muy vivo, de lo cual ya teníamos aviso desde The Lord of the Rings.
Todo esto parece construir los puntos elementales para una buena película de aventura, sin embargo no podría pasar a la película como buena, y ni siquiera como algo decente, repasemos las razones.
Primero lo obvio: los personajes son demasiado insípidos en su mayoría, y la única razón por la cual te llega a ‘’impactar’’ sus muertes es por la mórbida curiosidad por ver a un hombre común siendo asesinado por criaturas nunca antes vistas por el humano, o bueno, ver triunfar a la naturaleza por sobre los hombres, lo cual sí admitiré que es una pequeña fantasía mía.
Algunos personajes guardan algo de carisma, pero o se terminan muriendo antes de que se nos dé algo más de ellos con lo cual conectar, o directamente solo son carismáticos y punto, siendo unidimensionales y no teniendo nada que los haga verdaderamente funcionales.
También tenemos otros como Hayes y Jimmy, los cuales guardan una química muy interesante y entendible, y con este asunto de cómo acabará Jimmy y Hayes queriendo lo mejor para él, siendo casi como una figura paterna, lo que llevaría a Jimmy a querer vengarlo y honrarlo. Pero esto nunca lleva a nada, no solo porque ninguno de los dos personajes posee una conclusión verdadera, sino también porque la película no nos da mucho tiempo para profundizar en dichas cuestiones, dejándolo por el camino y sin nada de dónde agarrar.
El caso con Jack Driscoll es interesante también, más que nada por este drama que tiene con que los actores nunca interpretan bien lo que él plasma en sus guiones, y hasta le podemos ver otra cara suya cuando tocó ir a salvar a Ann. Y no es por arruinar la fiesta, pero aún con esto el tipo nunca es usado para hacer algún punto temáticamente hablando, no es muy multifacético, la relación que tiene con Ann se siente demasiado apresurada y carece de base realmente sólida, y por si fuera poco, su ya mencionado ‘’conflicto’’ (el cual ni siquiera es algo súper drámatico que digamos) nunca obtiene una resolución, por lo que se siente como simple forma de rellenar a un personaje que, seamos sinceros, nunca deja de ser un típico galán de película de los treinta sin mucho trasfondo.
Ann Darrow tiene una motivación válida con aquello de querer lanzar su carrera y poder llevar una buena vida, esto último producto de lo mal que la dejó la crisis de aquellos años en el país, negándose al inicio pero aceptando sobre el final, y de hecho la forma en la que se va encariñando con Kong es enganchante y ‘cute’. Mi problema con ella es que no tiene mucho conflicto interno realmente, y todo lo que le pasa en gran parte de la película se siente más como una forma de mover al mono a hacer cosas alucinantes como vencer a 3 tiranosaurios (a pesar de que eso por sí solo no tenga mucho sentido) mientras salva a la damisela en apuros. Su punto como personaje es bastante simplón y para nada elaborado, lo mismo podemos decir de su desarrollo y la ya mencionada relación con Jack. Es un personaje OK, pero no creo que sea algo como para hacer algún escándalo.
Por otra parte, y volviendo con Denham, pienso que una de las peores cagadas del metraje fue volver a su obsesiva pasión por hacer una película como algo exagerado y hasta retrasado, mostrando cómo incluso el hombre es capaz de hacer movimientos suicidas o arriesgar la vida de ajenos con tal de lograr su objetivo. Está buena la idea de mostrar hasta dónde puede llegar la determinación de una persona, pero el caso con Carl es demasiado específico como para conectar, y es que no pienso que sea muy útil el mensaje de ‘’cuidado con llevar tus pasiones demasiado lejos o sino tus compañeros serán comidos por dinosaurios’’, es un punto mal hecho. Mi mayor problema con el personaje, sin embargo, radica de que, y ojo con esto, JAMÁS se muestran consecuencias de lo que hizo. ¿Es en serio? El tipo literalmente fue el responsable de que varios tripulantes y asistentes técnicos que nada malo habían hecho sean asesinados en una misión suicida por salvar a alguien a quien, de nuevo, él tuvo la culpa de arrastrar allí. La más sencilla oportunidad que tuvo la película para mostrar una enseñanza positiva, de todas las que tuvo, fue hacerles caer las consecuencias a Denham, y no lo hizo.
Luego de los personajes, la historia es la que ya todos conocemos, con el asunto de que bueno, al ser más larga, se siente una pérdida de tiempo más grande, habiendo trabajos que buscan solo entretener y con mensajes y temas más elaborados que cuentan con una menor duración.
Tampoco me agrada tanto el hecho de que existan tantas salvadas de último momento (la escena en la que casi ejecutan a Carl, la pelea contra los tiranosaurios, la escena en la que Kong está frente a Jack quien no tiene posibilidad para huir y llega Ann justo en ese momento, etc.) o conveniencias por el estilo, supongo que es algo natural en los films de aventura, pero eh, se pudo haber evitado un poco a decir verdad, la película dura tres horas, no me miren a mí. Además sí que se hace extraño el que exista una isla llena de bichos prehistóricos y la población ni se halla enterado, así como que nunca le den una explicación a cómo fue que se conservaron todas esas especies, pero de nuevo, supongo que puedo dejarlo pasar por la naturaleza medio infantil de la cinta.
Igual no diré que es mala, ya que además de que he visto cosas ciertamente peores que esta, no es como que las escenas de Kong no sean muy divertidas de ver o que la cinta se vuelva llevadera a pesar de la larga duración. Pueden verla un domingo que tengan el día libre o con una novia o amigos si se proponen apagar el cerebro y disfrutarla sin más. Solo tengan en cuenta que si lo que buscan es algo entretenido con tropos parecidos, pueden perfectamente verse la versión original, sin necesidad de recurrir a toda esta súper bomba de efectos especiales de miles de dólares.

5/10

[Pese a que ahora las nuevas las pienso subir a mi canal de YouTube, liberaré de a poco las reseñas o actualizaciones de viejas reseñas que tenía guardadas desde hace un tiempo, simplemente porque no quiero que se pierdan por si no se me da por sacarles video nunca.]


Una de las mejores obras de Charlie Kaufman como escritor, y un enorme aviso del gigantesco talento que poseía, cosa que posteriormente sacaría a la luz con obras que rompieron también varios esquemas.
Being John Malkovich se trata de una película demasiado extraña y para nada convencional acerca de la desesperanza en el hombre moderno, con un estudio del escapismo simplemente maravilloso, pero no nos adelantemos.
La película trata sobre Craig Schwartz, un fracasado que jamás pudo volver realidad su sueño de triunfar como un famoso titiritero, condenándose a una vida monótona con un trabajo aburrido de oficina, una esposa que sencillamente ya no le genera nada ni le hace feliz (estando arrepentido de la decisión de haberse casado con ella), y una enorme mala suerte al intentar seducir a su compañera de trabajo, debido a su inseguridad y actitud perdedora y cuck. Todo esto no solo sirve para impulsar a nuestro protagonista a tomar decisiones que posteriormente veremos en la película cómo le cambian la vida, sino que funciona también como una crítica a los tiempos modernos, metiéndose con el cómo el estilo de vida de muchos trabajadores es lo que los lleva a una depresión que luego los hará cometer cualquier tipo de locuras, y con el poder de nuestras decisiones al ser la mayoría de cosas malas con las que carga Craig producto de no haberlo pensado correctamente cuando tuvo la oportunidad.
El tema del escapismo viene cuando nos enteramos de la existencia de una puerta que conduce a la mente del actor John Malkovich, lo que comenzó a usar, en un inicio, para simplemente despejarse y salirse de su dura realidad por unos momentos, para luego ir poco a poco obsesionándose con el concepto de volverse otra persona, aprovechando su fama y dinero para hacer verdad todo lo que en algún momento soñó y en su despreciable vida nunca consiguió; impulsó su carrera como titiritero alcanzando altos niveles de reconocimiento por revolucionar al mundo de los títeres como una expresión artística, lo cual de hecho nos muestra el cómo Craig no era una persona sin talento o inteligencia y que simplemente era su problema de actitud y conformismo lo que impedía que se acerque a sus objetivos. Y también logra quedarse con Maxine, su compañera de trabajo, la cual disfrutaba enormemente del sexo con el cuerpo de John Malkovich, y esto lejos de hacer que Craig se dé cuenta de lo falsa que era su relación con ella, solo hace que por el contrario se sumerja más en la experiencia de adoptar el cuerpo de otro ser, puesto que temía perder una oportunidad así con una mujer tan atractiva y seductora como Maxine, que solo terminó usando a Craig para sacarle dinero y tener sexo, lo que causó que acabe arrepintiéndose y viviendo como una infeliz por esto mismo. Y sí, Craig pasa sus últimos días como John Malkovich siendo un agresivo y frío hombre al que se le nota la desilusión con su vida al tomar en cuenta que nada de lo que consiguió fue realmente gracias a él, sino que fue en base a lo que generó el apoyarse en la fama y dinero ya existente de una figura conocida.
Asimismo me encanta el cómo ponen a Maxine como tu típica zorra ventajera y materialista que termina en la desgracia por esto mismo, el haberse dejado llevar por la lujuria y la avaricia incluso a sabiendas de que vivía una mentira con alguien que realmente no amaba. Es muy bueno también el comentario que se da al presentar a las mujeres como Maxine como las que principalmente atraen betas y simps que les darán todo tipo de gusto por un poco de sexo sin pensar en lo mucho que se están humillando o el daño que están haciendo en sus vidas.
Lotte por otra parte se muestra con problemas muy parecidos a los de Craig, solo que en ella logramos apreciar un poco más de discreción respecto a lo que piensa sobre su deplorable situación, llevándola la adicción a la puerta y a la sensación de sentirse algo que no es a la completa pérdida de sus cabales, volviéndose una lesbiana loca que ya no le importa nada fuera de su relación con Maxine y quedarse con John Malkovich, dándose confrontaciones entre ella y Craig por quedarse con su única vía para escapar de su podrida realidad de la que ambos estaban hartos, y que en lugar de afrontar para mejorar el rumbo de sus vidas, terminan por preferir evadirla a falta del coraje suficiente, lo cual les deja fuertes consecuencias.
El personaje de John Malkovich en sí fue bien manejado, ya que no solo podemos ver mucho de él al sernos expuesto el interior de su mente y recuerdos o pensamientos más profundos, sino que tiene su propio drama con la paranoia que se le genera al enterarse que algo en su vida no va bien y que le están invadiendo su privacidad sacando hasta provecho económico de su cuerpo, como si una clase de Dios estuviera al tanto de él en todo momento teniéndolo a su disposición y casi que no pudiera oponerse, un comentario interesante. Y madre mía, hasta nos dejan una pequeña reflexión con todo esto de dudar de tu identidad y no saber hasta qué punto vos podrías ser considerado vos así como el poder de determinar tus acciones.
El tema de la muerte y lo que se hizo con los demás personajes me gustó puesto que presentan a todos los obsesionados con evadir la muerte y que no aceptan su destino como gente patética, sin un verdadero propósito para vivir y que nada más alargan sus años por mero hedonismo y no por un objetivo en sí, siendo unos escapistas desesperados que no pueden encarar lo que de verdad les corresponde, asqueados por el hecho de envejecer y verse más feos, yendo así en contra de la misma naturaleza.
El final trágico, por su parte, me pareció razonable.
Craig cae en una depresión enorme al serle recordado que todo lo que consiguió, todo lo que construyó su éxito, su fama, su gloria, son cosas las cuales ninguna ha sido cosechada por él mismo ni por méritos propios, sino que todo lo logró gracias a una figura externa, esto le produce el querer volver a la realidad solo para que cuando regrese, esta le dé un cachetazo al devolverlo a ser el hombre que siempre fue antes de entrar en John Malkovich, un triste fracasado beta y simp sin el valor suficiente como para luchar por sus sueños y aspiraciones y las consecuencias de sus malas decisiones, lo que solo lo hace volver a caer en el vicio ante la frustración de volver a ser quien es en realidad y de tener que afrontar el hecho de que ahora tendrá que esforzarse para alcanzar el éxito. Esto es muy lógico si tomamos en cuenta el cómo muchos jóvenes de nuestra realidad optan por vías sencillas que varían en vicios para despejarse de las dificultades de la vida y evadir las responsabilidades que esta última conlleva.
Lo que hace la dirección de Jonze acá es ponernos en perspectiva con juegos de cámara muy ingeniosos, teniendo las escenas dentro del cuerpo de John Malkovich una realización especial y que le queda al aura que intenta transmitir al ser una situación tan inusual y extraña. Cosa parecida diría del cómo se presentan los escenarios tristes y monótonos para reflejar lo que sienten los personajes, variando en iluminación y banda sonora para así dar una imagen que, contrastada con lo que luego se presenta cuando los personajes están en un ‘gran’ momento de sus vidas, queda como anillo al dedo y sumado a las actuaciones deja una muy buena impresión cinematográfica.
Y bueno, sí, la película es grandiosa pero no es como que esté exenta de fallas. La forma en la que el concepto tan disparatado y humor medio cringe contrasta con la profundidad de los temas de la cinta es algo cuestionable. Y lo que respecta a la lógica extraña detrás de la puerta nos hace decir lo mismo, puesto que sus reglas no solo son casi inexistentes y convenientes, sino que cosas como que el protagonista se la encuentre de la forma en la que lo hizo y el hecho de que justo esa puerta lleve a John Malkovich me hace levantar una ceja.
Lo peor sería el cómo Lotte y Maxine terminan juntas al final debido a que Maxine lo único que hacía desde el principio era utilizar a la esposa de Craig como una simple satisfacción y realmente no tiene mucho sentido el que esa sea su conclusión. Lo anterior hílenlo al que nunca se deja en claro si su relación y el criar a la hija que se tuvo con John Malkovich es algo que debe ser aprobado o rechazado, pero honestamente prefiero pensar que esto era algo a lo que simplemente Kaufman no le dio importancia, y que por eso no prefirió mostrar una posición suya al respecto.
Finiquitando con esto, les dejo por seguro que esta película vale mucho la pena de ver pese a sus errores, siendo uno de los estudios más completos que hay sobre el escapismo tocando muy buenos tópicos en el camino, los cuales pasan por la muerte, la falta de amor propio, la degradación psicológica que genera la extrema ambición y la avaricia, la identidad, la depresión, el malgastar la vida a base de hedonismo, la dependencia y la auto-conciencia. Es un trabajo bastante desesperanzador y depresivo al ser analizada su conclusión, pero que te dejará un mensaje más que valioso.

8/10

Las películas de crimen noventeras siempre se mantuvieron, subjetivamente, como un tipo de cine ‘comercial’ de mi predilección debido al ambiente que muchas veces cubría a estas cintas.
En un sentido más general, diría también que en esta época de la historia fue donde se encontró la cúspide de este género de hecho. Y la película que hoy revisaré, entra en las razones de esta creencia.
The Usual Suspects es una de esas películas a las no podés dejar de prestarles atención debido a lo complicada y enrevesada que es su narrativa. Todo lo que está sucediendo en ella parte de la narración de una persona de la que nunca podemos estar totalmente seguros de si está diciendo o no la verdad, pero lo fascinante es cómo el film consigue engañarte y hacer que te creas gran parte de lo que está sucediendo, haciendo que pierdas realmente la noción de que estás escuchando las palabras de alguien que puede que esté mintiendo.
Lo que vuelve especial a esta obra es lo intrigante de la trama, estando esta, sumergida en un misterio que no se nos es revelado sino hasta el final. Es asombroso ya que el método es bastante simple: vamos viendo los hechos narrados por Verbal Kint al mismo tiempo en el que se nos presenta el cómo es interrogado y va siendo presionado para soltar la información, pudiendo apreciar diversos detalles particulares suyos en el proceso. No es la primera vez que una película narra un misterio de esta manera, pero no debemos olvidar tampoco el hecho de que acá se usan cosas como las divagaciones, exageraciones, la ambigüedad de muchas afirmaciones, los abruptos cortes en la narración, y el aparente intento de nuestro interrogado protagónico de ‘’huir’’ de dar respuestas o de evadir preguntas de importancia, haciéndose el que no sabe y tal.
A todo esto, sumémosle el punto que se trata de hacer con el misterio, y el que cada detalle que nos enseña la película, significa una pieza de gran relevancia en el elaborado puzzle que se va construyendo para contribuir al hecho de que así, el plot-twist del final no sea para nada agarrado de los cabellos o incoherente, pero a la vez no te lo veas venir, y su impacto al llegar sea muchísimo más grande.
A lo largo de la historia podemos ver a personajes muy divertidos, los cuales tienen su carisma y en cierto grado, cada uno guarda una justificación. El tema con estos personajes es que el hecho de que no se sientan nada elaborados individualmente, parte de que la historia es narrada por uno solo, lo que justificaría el no saber mucho de ellos y, además, el que muchas de las datas que llega a tirar sean mentiras o distorsiones de la historia verdadera hace que esto se entienda más todavía.
Me gusta el personaje de Verbal Kint, quien al inicio es del que menos sospechamos, y del que a lo largo de toda la película, vamos viendo sus métodos de manipulación emocional, sus jugadas para crear y fortalecer una apariencia lo suficientemente creíble, su manera tan interesante de excluirse y nunca llegar a ser blanco de sospecha incluso por la propia audiencia. Y es simplemente alucinante lo ingenioso que es el filme al presentar cómo su treta logra dar resultado al persuadir al policía y a nosotros mismos con un perfecto combo de todo lo anterior. Más allá de que también sabemos de su pasado y razones, así como el respeto que posee su figura real entre los criminales, el tipo podría hasta ser usado como material de tesis para aprender a persuadir o crear una versión de los hechos lo suficientemente creíble, lo cual es bastante común no solo en criminales con policías, sino también con políticos y población. Por lo que sí, me parece un buen personaje del que podemos sacar cosas cuanto menos interesantes.
El que le seguiría en cuanto a escritura sería Keaton, del que gracias a la escena del inicio, el posterior asesinato de su esposa que nos es mencionado en la cinta, y el hecho de que sea el más cercano y activo de la historia en relación a Kint, podemos entender que se nos dé tanto de su personaje en comparación al resto sin tratarse, al menos por la mayoría del tiempo, de mentiras, siendo el personaje del que contamos con más información fidedigna al respecto luego de Verbal Kint. De este personaje, de hecho, y además de lo bien que es la interpretación de parte del actor, podemos conocer lo que lo motiva a volver a su vida de criminal, teniendo un drama de confrontar su pasado como tal y el deseo de una vida normal junto a su esposa, lo cual se vuelve incluso más intenso cuando lo presionan con asesinarla si no cumple con una misión. La incertidumbre, presión, y hasta cierto punto desesperación de Keaton, es infundida también al público, al saber nosotros tanto como él acerca de la situación.
Ya para el resto del cast tendría que decir más que nada que son carismáticos, siendo todos activos en la historia de alguna u otra manera y guardando dinámicas bastante divertidas entre sí, sin estar realmente escritos con elaboración, pero con su encanto y participación al final del día.
The Usual Suspects tiene una forma muy original de transmitir su mensaje y dar a entender su punto, ya que es al final donde, luego de tanto rompecabezas, logramos enterarnos de cuál era la verdad detrás de todo y de qué se intenta comunicar con ello.
El comentario de por sí es bastante interesante; el cómo nunca nos damos cuenta cuando el diablo está frente a nosotros, lo poderoso que es el engaño, el cómo debemos siempre dudar de todo a todo momento, o la facilidad con la que somos persuadidos. A eso sumale lo que se va armando a medida que la trama se desenvuelve, representando todos los peligros que conlleva la vida de criminal, mostrando el tipo de cosas arriesgadas que se dan al aceptar trabajar con ladrones, y también el cómo podés estar jugándote todo una vez caés allí, siendo en pocas palabras, todo un círculo vicioso, en el que podrías encontrarte con cualquier animal suelto buscando matarte ya sea por venganza, obligación, manipulación, significar una molestia para sus planes o simplemente porque quien lo hace está en busca de una gran suma de dinero que no aceptaría echar a perder.
Normalmente me quejaría de que el mensaje de la película queda claro solo sobre el final, y esto lo menciono debido a que existen muchas obras a las cuales se les nota una clara falta de planeación al proponer temas y mensaje apenas sobre su recta final. Afortunadamente, The Usual Suspects no es el caso, y en una hora con cuarenta y tres consigue algo con lo que muchas obras como las antes mencionadas tan solo sueñan: el hacer que sea parte del chiste, haciendo que su trama tan atrapante sea la que lleve de la mano a la audiencia a querer saber más acerca del punto al que se intenta llegar con todo el rompecabezas, teniendo una conclusión bastante satisfactoria y lo suficientemente impactante para los casuales que la van a ver solo por las emociones fuertes.
La dirección es algo que cumple bastante bien, pues esta no solo se vale del impecable trabajo en edición aportando al drama y a la intriga con todo ese uso extraño de los cortes, ángulos y sombras para engañar al espectador, sino que la cámara es ágil, sumado a la labor en iluminación y soundtrack, lo cual, agrega mucho al hecho de que la película se sienta dinámica, profesional y atrapante de inicio a fin. No es nada muy complejo narrativamente hablando, pero al igual que varias películas del género en su época, sigue una línea que años después muchas películas aclamadas terminaron siguiendo, mejorándola con el añadimiento de diversas técnicas o ideas que han servido para la inspiración de múltiples cineastas, por lo que le guardo también cierto respeto.
Mis quejas estarían más por el lado comparativo, ya que ciertamente he visto obras que supieron hacer mejores cosas con sus personajes, dándole más profundidad al cast. Y es que acá fuera de Verbal Kint, y excluyendo a todos los involucrados en el caso narrado, los demás como el policía o aquel detective negro solo están allí para cumplir con un rol y ya, sumado a que Verbal Kint no es tan profundizado de todos modos. No es como que signifique una enorme queja, puesto que los personajes están constantemente haciendo cosas y siendo de cierta relevancia para la historia, pero igual me parece que se pudo hacer más con ellos teniendo en cuenta el tiempo que poseen en pantalla y tal.
También podría exigir más acerca del cómo Verbal Kint consigue hacer todo lo que hace y llegar hasta donde llega con su plan, siendo no muy verosímil. Se nos dice que es temido y demás, pero realmente, esta ‘’tenacidad’’ nunca es muy mostrada en pantalla, y sus logros se dejan más en el diálogo que en otra cosa.
No olvidemos, tampoco, que la película opta por irse más por el estilo, sin darle tanto peso a la sustancia, basándose más en el espectáculo, y si aún este no fuera el caso, tampoco es como si los comentarios que proporciona la obra fueran de mucha trascendencia o muy reflexivos en comparación a otros de todos modos, tratándose de cosas bastante sencillas de procesar por como son contadas, sin intentar dejar mucho a la reflexión, y esto es debido a que justamente, el foco principal es divertir y no tanto hacer pensar.
Si bien no podría compararse a otros trabajos del género, es verdad que en cuanto a introducir elementos inteligentes, The Usual Suspects se lleva unos cuantos aplausos de mi parte.
La cinta cuenta con una genial planeación, dirección y presentación, está llena de suspenso y misterio, actuaciones muy profesionales, y es de las mejores opciones que tenés si lo que querés principalmente es entretenerte, no te aburrirá ni un solo minuto. Así que en cuanto a esas, porqué no, la recomendaría, puesto que es bastante disfrutable.

7/10

El cine de Darren Aronofsky puede resultar raro si se le da una revisión a todas sus películas. Por un lado puede pegarla en ciertas instancias pero en otras sinceramente no se ve a la altura, y más allá de su característico uso de la cámara en mano, sus películas más aclamadas por la crítica especializada suelen tener varios aspectos en común si hablamos de lo escrito.
Con lo último voy a que, si bien, sabe hacer historias diferentes la una con la otra, siempre guarda como una especie de parentesco con su forma de meter un ‘’debacle’’ en sus personajes, teniendo dichas películas, este principio.
En Black Swan, la cual está inspirada en la famosa obra Perfect Blue, del director Satoshi Kon, vemos mucho énfasis en este asunto; una chica a la que le apasiona el ballet, y que se encuentra compitiendo por la oportunidad de su vida de participar en la tan prestigiosa obra de El Lago de los Cisnes, pero con el pasar del tiempo se va enterando poco a poco que el mundo en el que está metida resulta ser más siniestro de lo que aparenta.
No es ningún misterio que Aronofsky sabe elegir un buen soundtrack para sus producciones, y en este caso no podemos decir lo contrario, ya que no solo la música usada especialmente para la película se siente adecuado, sino que la música clásica que también se emplea siempre resulta muy agradable de escuchar, y más en una película que precisamente trata sobre ballet.
Los trucos visuales, ya sea con los cortes para jugar con las perspectivas o con la iluminación, logran sumergir bien al espectador en toda la decadencia emocional que se está representando, y esta misma decadencia se hace muy llevadera al mostrarnos cómo siempre están sucediendo cosas, haciendo que la experiencia sea enganchante y siempre tengas una morbosa curiosidad por lo que le pasará al personaje.
Mientras tanto, y metiéndome ya con lo más importante, se entiende el punto que se está haciendo al sernos presentado el setting; las bailarinas llegan a ser bastante egoístas entre sí y muchas veces la competencia puede llegar también a ‘’comerse’’ mentalmente a cualquiera que esté allí metida, y el punto que se intenta dejar claro con la protagonista es bueno, mostrando el cómo el sentido de la competencia así como la presión constante que se sufre tanto por esta como por la exigencia de los entrenadores es algo que lleva a muchas chicas a la misma depresión. Por otra parte, es acertada la manera en la que muestran la forma en la que muchas veces, los entrenadores se aprovechan de sus alumnas para sacarles ventajas sexuales incluso.
Lamentablemente, esto es lo único positivo que tengo para decir de la película, ya que su problemas, radican dolorosamente desde sus mismos aciertos.
Primero, siento que la película intenta de forma muy forzosa parecerse a Perfect Blue, pero el problema es que no cuenta con el suficiente material como para emplear sus conceptos. Con esto último intento decir que en varias ocasiones vemos un montón de ilusiones, simbolismos, y metáforas visuales, que dan a entender que estamos enfrente de una ‘’lucha interna’’ de nuestra protagonista, y ese es mi principal lío: nunca hay realmente una base de la que podamos sacar esto. Todo lo que vemos en la película se debe a la interacción de la protagonista con el escenario que la rodea, ella no está en una situación de confrontación consigo misma. En Perfect Blue esto sí se veía debido a que Mima tenía que luchar contra su pasado y el ir perdiendo de a poco su identidad, cosa que acá no existe puesto que primero, a Nina la vemos desde el inicio como una bailarina, lo que evita que podamos ver alguna lucha contra su pasado o una identidad desde un inicio establecida para luego dar paso a alguna exploración acerca del tópico que rodea esta idea, y segundo, no hay una auténtica decadencia psicológica propia de la protagonista, sino que lo único que vemos al respecto es cómo es constantemente torturada mentalmente, pero no es como que sean sus elecciones las que la lleven a esta decadencia, más bien es una serie de eventos desafortunados y el encontrarse con puros personajes hijos de puta lo que termina por hacerla ’descender’. A lo que quiero llegar con todo esto es a que, si lo que querían era criticar tanto al mundo del espectáculo como a las elecciones de las mismas personas dentro de ese mundo, no tuvieron que poner a un personaje principal que está todo el tiempo sufriendo y que por lo visto no es capaz de dejar de llorar.
Hablando de eso último, otra de las diferencias con Perfect Blue viene desde que, en la primera, teníamos una protagonista que cae tan bajo al punto de recurrir a vender su cuerpo a una marca pornográfica, y acá solo estamos presenciando a una bailarina de ballet que está una hora con cuarenta y ocho minutos llorando porque el mundo del ballet resultó ser un duro reto el cual afrontar, y puede retractarse y volver a empezar en cualquier momento, no es como que ahora su imagen quede manchada de por vida contrastando con una inocente que corrompió ella misma, como en la superior Perfect Blue.
A todo esto, ¿se supone que debo sentirme mal por la chica cuando cosas malas le pasan? Quiero decir, no es como que ella no se encuentre en un contexto muy específico y esté haciendo un escándalo por su pasión y por las enormes ganas que posee de quedarse con el papel. Y esto último lo entendería si al menos esta fuera una historia de auto-superación o de ‘’afrontar las dificultades de la vida’’ como The Wrestler, pero temo decir que si esto era lo que querían, no les salió muy bien que digamos si consideramos el hecho de que nunca hay una lucha interna por superarse en Nina, y el que nunca vemos un cambio en ella, y por el contrario, solo la vemos sufrir pasar por cosas turbias, relaciones rotas con seres queridos, y demás tortura que por alguna razón debe hacernos pensar que Nina obtuvo un desarrollo o qué sé yo.
Tampoco es como que lo que se esté contando sea de tanta trascendencia, y es que por favor, ¿a quién le importa el ballet? Si el escenario fuera dentro de una mafia o si necesariamente tiene que ser un deporte, una plantilla de un equipo de fútbol (no digo que el ballet sea un deporte, o que no sea importante, solo tomo en cuenta la atención que recibe en nuestra sociedad), sería mucho más interesante el explorarlo debido a que bueno, a la gente le importa más el fútbol u otros deportes, pero el ballet no es algo tan fuerte o de tanto peso en nuestra realidad actual como para querer dar tanto énfasis a los problemas que se dan dentro de ese contexto.
La cosa empeora cuando nos fijamos en el resto de personajes, los cuales, fuera de los principales, actúan como simples herramientas para detallar el setting. Y para el caso tampoco es como que los principales brillen mucho que digamos.
Thomas es más como tu típico entrenador exigente al que la película intenta mostrarnos como un Fletcher cuando en realidad ni es tan duro con sus métodos, y resulta ser solo la protagonista llorando por ser, como el mismo Thomas llega a decir en la cinta, débil. Como punto aparte, todo este asunto de él cachondeando con su alumna hace un punto entendible, pero cuando nos enteramos que la relación entre estos dos resulta ser algo más serio y no un simple cachondeo, pasaríamos a argumentar que dicha relación carece de una base sólida y nunca es realmente indagada, así como el mismo personaje de Thomas, no sabemos realmente mucho de él fuera de su oficio y su artificial relación con Nina.
La chica con la que Nina mantiene un acto lésbico nunca se llega a sostener de algo que no sea intentar dar una especie de punto rarito acerca de las ilusiones de Nina, pero de eso ya hablaré más adelante, de momento quédense con que este personaje jamás es explorado a fondo y su punto es uno bastante ambiguo como para considerarla un personaje del todo ‘funcional’.
Beth llega a sentirse como un simple recurso que la película utiliza para sobre-dramatizar la situación. Ya saben: se siente remplazada por Nina y se termina suicidando para enturbiar más las cosas pese a que esto no es algo que pase con tanto frecuencia y la construcción de escenario nunca se encarga de enclarecer esto, y además es bastante evidente que se trata de otra forma (bastante forzada y repentina para el caso) que tiene la película de hacer sentir mal a la protagonista.
Al final el único personaje más o menos rescatable es la madre, pero incluso ella, además de ser un personaje del que nunca sabemos tanto realmente, sufre bastante de este problema que ya mencioné que tiene la cinta de sobre-dramatizar las cosas, siendo su relación con su hija muy raramente inestable (por decirlo de alguna forma) para mi gusto.
Lo peor de la película, y lo que representa la verdadera gota que colma el vaso, es lo pretenciosa que se siente la película al querer transmitir ideas.
Procedo a explicarme: se supone que en el filme hay un mensaje relacionado a la naturaleza o la identidad, y la única razón de porqué podría percibir esto así es porque ya vi Perfect Blue; de lo contrario, solo vería simbolismo sin dirección o sentido.
Seamos francos, ¿alguien realmente entendió el significado de la chica suicidándose por alguna extraña razón en el final? ¿Alguien entendió qué quiso decir la película con todo esto del falso asesinato a una compañera de parte de Nina? ¿Qué me dicen de los cuadros de la casa hablándole a la chica? ¿Y qué hay de la transformación de Nina en un literal cisne? Todas estas supuestas metáforas comparten algo en común, y es que cualquier tema profundo, metafísico, o cualquier meta-comentario que se esté intentando comunicar, queda con una exploración totalmente anulada debido a que nunca son cosas establecidas directamente por el guion, y lo único que estamos viendo es una historia sobre ballet. No un estudio psicológico, no una exploración temática, no una indagación en la naturaleza humana; solo una historia de ballet que por tener a una protagonista teniendo problemas emocionales en un contexto turbio pretende tener un significado ‘’profundo’’, cuando nunca se está elaborando en algún mensaje más allá de que el mundo del ballet puede ser algo turbio y feo.
Lo que en Perfect Blue era algo más críptico, en Black Swan es basura pretenciosa, puesta para aparentar que debemos escarbar en alguna enseñanza solo porque la primera película tenía algo de metáforas visuales y esas cosas majas que a todos los casuales pretenciosos incapaces de analizar un verdadero simbolismo les encanta, ¿acaso no tengo razón, muchachos?
Así que sí, es una mierda, no vale la pena, y poco y nada podemos sacar de algo que intenta ser Perfect Blue, pero que fracasa prácticamente en casi todo lo que se propone.
Si quieren algo interesante relacionado al ballet, váyanse a ver Princess Tutu; y si por casualidad les interesa ver algo bueno que haya sacado este director, existe The Wrestler o en su defecto Requiem for a Dream.
Por mi parte, termino mi labor acá diciendo que esto es de las peores cosas que ha sacado Aronofsky en su carrera como director, y curiosamente es de lo que más aplaudió el público, ojo ahí.

3/10

Algo que no debería ser negado por nadie es que la existencia de las llamadas ‘’obras vanguardistas’’, suelen muchas veces significar inspiración y riqueza espiritual para el que las consume, pero que al mismo tiempo, ‘’mal acostumbran’’ a otros autores en su intento por querer crear algo trascendente copiándoles. Mi punto con lo que acabo de decirles, es que la película de la que estoy por hablar es una que no solo logra ser innovadora y sumamente pesada en sustancia, sino que es lo impresionante que se torna a la hora de plantear su narrativa, lo que la vuelve un evento prácticamente imposible de igualar, y el hacer algo que siquiera pueda ser considerado semejante es una tarea muy fea en cuanto a escritura.
12 Angry Men trata sobre doce hombres que deben determinar si un joven acusado de homicidio debe o no ser condenado a muerte al haber probabilidades de que no haya sido culpable.
Lo especial que es esta película se puede notar ya desde el mismo escenario en el que se desarrolla su historia; una simple sala, en la que no existe mucha variedad de cosas por resaltar, y su simpleza transmite ya desde el primer momento esa idea de ‘’minimalismo’’, en un sentido en el que todo lo que está ocurriendo en ese pequeño lugar, va a determinar la vida de un ser humano.
Una habitación común y corriente que no posee nada de especial o llamativo: y es justamente esto lo que hace que entendamos el porqué los personajes se proponen el hablarse entre sí cuando se comienzan a aburrir, revelándonos datos personales suyos como sus gustos, opiniones, de dónde son o a qué se dedican. Y el hecho de que haga un calor insoportable y el tiempo se haga eterno para ellos queriendo muchos largarse ya de ahí, es lo que nos hace poder presenciar los diálogos que se entablan y todo lo que estos nos permiten saber acerca de los personajes; sabemos a qué se dedican, cómo se comportan naturalmente y bajo presión, sus formas y estilos a la hora de desenvolverse mutuamente con otros individuos dependiendo de su estado mental o el momento por el que estén pasando, así como también se nos revelan deseos personales de estos, por lo que sí, estamos enfrente de personajes complejos en su exhibir y bien construidos, multifacéticos y bastante naturales en sus acciones y reacciones. Las actuaciones aportan a genial guisa al momento de hacer sentir a los personajes muy amenos en sus comportamientos y hasta caracterizarlos para el caso. También notamos cómo algunos son más racionales, otros más emocionales, unos son más competentes y otros incompetentes, hay quienes no se ven a la altura en algunas ocasiones pero sí en otras, algunos son más empáticos que otros, algunos son de juzgar más, y sin tener que seguir, les resumo todo en que la película marca bien cómo es cada personaje en su forma de actuar frente a tal situación, lo que llega a aportar cada uno a la trama y lo humanos que se sienten.
Y esto no es para nada en vano ya que, los personajes, reciben también un uso muy interesante con dicha construcción.
Es el mismo conflicto en sí mismo lo que hace a todos tan sugestivos de seguir. El debate que se arma y se plantea nos permite saber muy bien cuales son las maneras de ver la vida que tiene cada personaje, mostrándonos cómo la moral de cada uno es cuestionada y cómo es que de esto salen dilemas morales, los cuales pasan por un largo y extenso mar de dudas acerca de la sociedad, sobre cuál es el rumbo que estaremos tomando al dejarnos llevar por nuestros prejuicios, de si son esos mismos prejuicios los que debemos desarrollar o si por ahí estamos yendo por un camino equivocado, de si nosotros como seres humanos verdaderamente valoramos la vida, de lo mucho que nuestra forma de pensar y sacar conclusiones debe ser cuestionada por cada uno de nosotros debido a lo fáciles que somos de manipular o lo aterradoramente diferente que puede tornarse nuestra opinión respecto a algo una vez es puesta en discusión de una forma similar a la de la cinta, de si el método de poner a la opinión de la mayoría por sobre todo es realmente eficaz, y podría deshacerme en continuar mencionando la enorme fuente de estudio psicológico y social que es 12 Angry Men, sumado a que perfectamente puede ser tomada como una ‘’guía para el debate’’ acerca del funcionamiento de la mente humana.
Hablando de esto: los cambios de posición constantes que se ven en la cinta se sienten todos muy naturales y aportan a la trama ante todo, ya que ayudan a dar a entender lo ambiguos que se llegan a ver los posibles escenarios y también podemos saber cómo un posible argumento o salida ante cualquier situación o contexto, se ve tumbado o enaltecido por diversos motivos que luego se terminan explicando o dando a conocer gracias a los razonamientos que, por diversos y muy lógicos motivos se terminan desarrollando, haciendo notar un muy buen trabajo en cuanto a la grandiosa exploración intelectual, moral y social que proporciona la película a través de los debates, dándonos a entender, al mismo tiempo, el nivel de inteligencia que poseen los personajes y no todo se rebaja a cursilerías o falacias. Y sí, hay usos de falacias lógicas o argumentos errados en el metraje, pero el mismo guion da a entender cuándo es que ocurrió esto poniéndolo en evidencia cuándo y cómo es debido en la misma discusión
Es también enseñado el cómo el estado mental de los personajes se ve sacudido y afectado fuertemente en las discusiones mostrándonos cómo deben aceptar que se equivocaron teniendo que renunciar a estándares morales o incluso ideales que formaban parte de sus códigos hasta ese momento, todo por un único caso de vida o muerte. Es hasta divertido el ver la forma en la que los planteamientos de los personajes se ven fuertemente cuestionados y sus argumentos, formas de defenderse, y hasta su posición y visión de los hechos se ven propensos cambiar a medida que el debate avanza y se hace más intenso, lo cual, como ya insinué, nos ayuda a saber cómo el estado psicológico de una persona se llega a ver sacudido y hasta manipulado si se utiliza lo suficientemente bien la lógica y se toca el lado más profundo y sensible de la situación y más en un escenario así y en un contexto donde la razón, la argumentación, y el nivel de ingenio lo es todo.

Puedo decir que esta película a la vez logra enseñarte el cómo un solo cuestionamiento desde el inicio es lo que puede “desfigurar” totalmente una opinión general. Y con eso último voy a que, en el momento en el que el #8 empieza a dudar, ya el resto comienza a abrir la mente y comprender a su adversario. En pocas palabras: la película dice que el estar abierto a otras visiones y opiniones es lo que puede llegar a cambiar totalmente tu narrativa y la de otros, llegando a lograr cosas grandes como lo es el salvarle la vida a un hombre.
Adoro también el cómo el guion siempre es imparcial y reconoce a quien tiene la razón cuando la tiene, nunca cae en victimismos ni en manipulaciones a la audiencia para hacer simpatizar con nadie. Todos los personajes tienen sus momentos de brillar con sus dudas y planteamientos ingeniosos los cuales, como ya dije anteriormente, aportan en su totalidad. Esto último lo ejemplifico con las veces en las que el #8 o cualquier otro debatiente de cierto bando se quedaba sin respuestas o formas de contrarrestar una prueba o versión lógica de los hechos hasta que otro personaje sale con un cuestionamiento que pone en jaque al anterior y se genera otra faceta de la discusión, discusión que por cierto, posee una evolución muy ordenada y creíble la cual pasa por distintos aspectos de las declaraciones en la corte, de los datos que se tenían y cómo estos se relacionan con el armar una argumentación verídica de lo que realmente sucedió.
Lo que es fantástico es que nunca podés estar realmente seguro de quién tenía la razón, porque la película hace que puedas pensar en si verdaderamente estás en lo cierto una vez acaba o si en realidad fuiste víctima de una manipulación, y el simple hecho de dejarte pensando y cuestionándote tú propio razonamiento, es algo muy remarcable.
Una cosa más que me gustaría decir es el cómo en la discusión existen dos bandos claros, pero también se llegan a formar ciertos grises o distintas escalas de afinamiento con uno o con otro, o cómo la indiferencia se hace con los personajes en muchas ocasiones, cosa que, además de ser bastante realista, hace el proceso de cambio racional de los personajes mucho más humano y la manera paulatina en la que se da es muy pero que muy creíble.
Hay mucho que puedo decir acerca de la dirección.
Más allá de la forma en la que la cinta usa sus planos cerrados y ángulos específicos para hacer sentir todo como muy ‘’pequeño’’ o ‘’reducido’’ debido a lo que expliqué antes, también puedo decir que es el ambiente y elección de planos lo que genera cierta tensión en un contexto que, de no ser por estos factores, no te haría sentir nada parecido. Al mismo tiempo, cada encuadre logra captar el sentimiento exacto de cada una de las escenas, con todas esas limpias tomas que permiten ver una cantidad u otra de cosas en el escenario dependiendo de qué tan necesario sea mostrar tantos elementos u otros. Lo que complementa la idea de la presión que sienten los personajes, es la forma en la que se tiran cosas como el enfoque a ciertos miembros del cast y la ubicación de estos. Un ejemplo sería la escena cerca del final en la que el jurado #3 se encuentra arrinconado ante el resto de jurados y, para fortalecer la idea de que está sintiendo presión, se muestra un plano de un personaje mirándolo, luego se pasa a uno de dos, luego a uno de tres, y finalmente se vuelve al mismo plano inicial en el que vemos a aquel jurado presionado, pero ahora expresando en su rostro más presión que antes. La tensión también se refuerza con que, al principio de la película, podemos ver planos bastante abiertos, para que poco a poco, estos planos se vayan volviendo más y más cerrados, al punto en el que, al llegar la escena final, podamos apreciar a la cámara simplemente trasladándose de la cara de un personaje a la otra, valiéndose únicamente de primerísimos primeros planos, demostrando el cómo la sencillez puede ser utilizada para cosas grandes, tirando algo relacionado de por sí con el mensaje de la obra. Decir que el medio no se aprovecha al máximo sería mentir, debido a cómo no solo se transmite con la cinematografía, sino a que todo en lo que se transmite está conectado. El apartado auditivo se hace en su mayoría del silencio para provocar tensión, ansiedad o hasta inseguridad por la brusca forma en la que suele caer a veces, y cuando hay que meter música, esta se cuela en momentos demasiado específicos en donde por lo general ya hay algo concluido, repitiendo esta fórmula para que así su propósito llegue de modo más sencillo al espectador. ¡Por favor! Si hasta la cámara te comunica la evolución por la que va pasando un solo punto en el momento de irse acercando gradualmente al rostro del personaje que se encuentra hablando en cuestión. Es una auténtica clase cinematográfica, de la que podríamos ahondar horas enteras analizando.
Un supuesto error que por ahí se le podría encontrar a la película y que hizo que muchos de mis colegas me lo recriminasen en el pasado, es el hecho de que el desarrollo que obtienen los personajes, es decir, su conclusión, no es tocada en ningún momento, en el sentido de que se les da una evolución nomás para luego dejarlas ahí en la nada. Y lo cierto es que esto no se trata de otra cosa sino de otra de las geniales movidas de la película ya que, al querer hacerte reflexionar acerca de la moral dentro de la sociedad americana, se deja a libre interpretación lo que estos personajes luego harán con sus vidas. ¿Habrán cambiado verdaderamente? ¿Olvidarán todo lo vivido allí tomándoselo como una simple jornada laboral para luego seguir con su estilo de vida que antes de los eventos de la cinta llevaban? ¿Quién sabe? Ya que es la misma película la que logra ponerte a pensar en el hecho de que pueda darse la segunda opción, y así inspirarte a no acabar de aquel modo de alguna u otra forma, preocupándote más por vos mismo, el espectador que debe ser enriquecido por la sustancia de la obra, que por los personajes que, al final del día, son todos ficticios.
Concluiré declarando que 12 Angry Men lo tiene todo; buenos personajes, temas profundos e interesantes, reflexiones poderosas y una cinematografía sublime.
Lo único mínimamente negativo sería el que no haya mucha conclusión ideológica por parte de personajes como el jurado #2 o el #6, y si bien se les da un buen trato, caen en no poder llegar a algo que realmente los haga igual de valorables que otros en el final.

Pero me dejo de rollos, no hay más que discutir, esta película es de las mejores de la historia y sería un pecado de tu parte el dejarla pasar. Un espectáculo de riqueza intelectual en su máximo nivel.

9/10